LE BLOG DE FANFG

27 avril 2017

NICOLAS POUSSIN

Nicolas Poussin, né au hameau de Villers, commune des Andelys, en juin 1594 et mort à Rome le 19 novembre 1665, fut un peintre français du XVIIe siècle, représentant majeur du classicisme pictural. Il est formé à Paris, mais il est surtout actif à Rome à partir de 1624. Il a peint aussi bien des scènes d'histoire que religieuses, mythologiques, mais aussi des paysages animés. Il a répondu à quelques commandes destinées à des églises, mais il est surtout connu pour des tableaux de taille moyenne destinés à quelques amateurs italiens ou français auxquels il reste fidèle tout au long de sa vie. Sa renommée lui permet de devenir peintre du roi et de revenir en France entre 1640 et 1642. Il préfère finalement repartir à Rome où il réside jusqu'à sa mort. Il est l'un des plus grands maîtres classiques de la peinture française et, bien qu'ayant eu très peu d'élèves, son influence est considérable sur la peinture française, de son vivant et jusqu'à nos jours.

Entre 220 et 260 tableaux lui sont attribués, ainsi que près de 400 dessins. (SUITE SUR WIKIPEDIA)

Son parcours de vie, sa technique, et ses tableaux qui racontent des moments d'histoire, de mythologie et religieux puis son intérêt par la nature a fait de lui, un modèle pour les contemporains! FG

                                        nicolas_poussin

 

"Pablo_Picasso___Bacchanales___Triomphe_de_Pan__d_apr_s_Poussin____1944__aquarelle_et_gouache_sur_papier__30_5_x_40_5_cm    Poussin_Nicolas___Le_triomphe_de_Pan

 

" LE TRIOMPHE DE PAN " par PABLO PICASSO                         ORIGINAL DE NICOLAS POUSSIN

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26 avril 2017

FRANCIS BACON

Francis Bacon, né le 28 octobre 1909 à Dublin et mort le 28 avril 1992 à Madrid, fut un peintre anglais.

Quittant l'Angleterre, Bacon passe plusieurs mois entre Berlin et Paris, où il mèna une vie de bohème, exerçant différents métiers dont celui de peintre-décorateur d'appartements. Il réalisa dessins et aquarelles. De retour à Londres, en 1928, il expose dans son atelier de Queensbury Mews. Il s'installe comme décorateur et peint ses premières toiles sous la forte influence du surréalisme et de Picasso, dont il a pu admirer les œuvres lors de son séjour à Paris à la galerie Paul Rosenberg. Les dessins d'après Picasso de cette époque, visibles dans ses carnets, montrent ainsi la façon dont Bacon s'en est inspiré, et les similitudes avec le travail de celui-ci.

Peintre de la violence, de la cruauté et de la tragédie d'où, à ses dires, « l'odeur du sang humain ne [le] quitte pas des yeux », l’œuvre de Francis Bacon se déploie en grands triptyques mettant en scène sa vie, ses amis, son admiration pour Diego VélasquezVincent van Gogh ou Pablo Picasso, ou par des portraits torturés, comme pliés dans la texture de la toile, de ses amis Michel LeirisMick Jagger, etc..

Bacon fut un artiste autodidacte. Parmi ses influences, on reconnaît non seulement Picasso mais aussi Diego VélasquezNicolas Poussin ou encore Rembrandt. Lors d'un entretien, il affirma que l'influence du surréalisme sur son travail ne provenait pas de la peinture mais des films de Luis Buñuel comme Un chien andalou.

En 1930, le journal The Studio lui consacra un article après l'exposition d'arts décoratifs (meubles, peintures et gouaches) qu'il avait organisée dans son atelier. En 1931, il abandonna peu à peu son métier de décorateur pour se consacrer exclusivement à la peinture ; pour survivre il vécu de petits métiers. En 1933, il peignit Crucifixion qui est reproduite dans la revue Art Now. En 1934 se tient sa première exposition personnelle à la Transition Gallery, qui est un échec. Bacon pensa arrêter la peinture. En 1936, il est refusé par l'exposition internationale du surréalisme organisée par André Breton. Il fut sélectionné, en 1937, pour l'exposition collective « Young British Painters » avec Graham Sutherland et Victor Pasmore.

Affecté à la défense civile en 1941, et déclaré inapte au service militaire, Bacon s'installa un temps à la campagne puis revient à Londres et loue un atelier à Kensington. Il détruisit alors tout son travail, ne conservant qu'une dizaine de toiles.

Bacon a travaillé avec la plupart des médiums (gouache, aquarelle, pastel, huile…) ainsi que la plupart des techniques d'estampe (gravure, lithographie…

Influencé par son ami Michel Leiris et par son goût de la violence, Bacon réalisa trois Études pour la corrida en 1969, dont l'Étude pour une corrida no 2 (musée des beaux-arts de Lyon), qui a servi pour l'affiche de la feria de Nîmes en 1992. Jean-Claude Lebenztejn décrit Étude pour la corrida no 1 comme un tableau où : « Le public dans l'arène paraît comme projeté sur un panneau coulissant», tandis que, dans la deuxième version (Étude no 2), le panneau est blanc et une ombre noire semble flotter. La violence, mais aussi l'aspect sexuel de la corrida attiraient Bacon, qui la considérait, à l'instar de la boxe, comme « un apéritif merveilleux pour l'amour ».

Au long de sa carrière, Bacon affina son style, délaissant les images de violence crue de ses débuts pour préférer « peindre le cri plutôt que l'horreur ». Il avanca que la violence doit résider dans la peinture elle-même plutôt que dans la scène qu'elle montre.

En voyage à Madrid, Francis Bacon s'éteint en 1992. Son atelier est donné par son dernier compagnon, John Edwards, à la Hugh Lane Municipal Gallery de Dublin. L'atelier est photographié, puis déplacé et reconstruit à l'identique.

Francis Bacon fut un artiste prolifique qui a laissé de très nombreux interviews et documentaires audio et vidéo, où il exprime avec clarté ce qu'est pour lui l'art de la peinture. (SUITE SUR WIKIPEDIA)

                                      francis_bacon_by_lorenzo_trucchi_

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24 avril 2017

PIET MONDRIAN - EXPO 2017 EN HOLLANDE

 gigyst -  :  MUSIQUE : Nino Rota , Toby Dammit - Ludovico Einaudi , Divenire.

Pieter Cornelis Mondriaan, appelé Piet Mondrian à partir de 1912, né le 7 mars 1872 à Amersfoort aux Pays-Bas, et mort le 1er février 1944 à New York, fut un peintre néerlandais reconnu comme un des pionniers de l’abstraction.

 Un voyage à Paris en 1912 transforme la peinture initialement paysagiste de Mondrian en une technique abstraite radicale. Quatre ans plus tard, Piet Mondrian rencontra Bart van der Leck à Laren. Naquit alors une forte amitié, les deux hommes s’admirant mutuellement et chacun reconnut sa propre quête artistique dans l’autre. Une quête qui est très bien mise en valeur dans l’accrochage du Gemeentemuseum, grâce à une mise en écho des expérimentations esthétiques des deux hommes.

On voit alors comment les amis artistes ont  sans cesse repoussé les limites de la représentation de la ligne, de la forme, de la géométrie. Les couleurs ne leurs suffisaient jamais pleinement. Ils usèrent du pastel, puis du primaire, apposèrent des touches tantôt floues, tantôt strictement définies par des carrés et des rectangles. Leurs aplats de couleurs, réalisés sans concession et avec une force que l’on devine à chaque touche, n’est en rien une provocation mais bien la composition d’un langage pictural parfaitement inédit, dans lequel van der Leck et Mondrian avaient placé leurs croyances les plus profondes, indestructibles, peut-être même intransigeantes.

http://www.holland.com/fr/tourisme/decouvrez-la-hollande/histoires-hollandaises/de-mondrian-au-design-hollandais.htm

En 2017, cela fera 100 ans que le mouvement artistique De Stijl a été fondé. Pour fêter cet événement, se dérouleront en 2017 dans toute la Hollande de nombreuses activités et des évènements inspirants. De Stijl trouve son origine à Leyde en 1917, avec la création de la revue artistique De Stijl par Theo van Doesburg. Les artistes qui s’associent à De Stijl, sont à la recherche d’un « nouvel art total », qui devrait également moderniser la société. Piet Mondrian est pour tous les artistes de De Stijl l’exemple à suivre. De nos jours, les points de départ du mouvement De Stijl inspirent encore beaucoup de designers hollandais tels que Hella Jongerius, Maarten Baas, Joris Laarman et Piet Hein Eek.  (SUITE WIKIPEDIA)

                                   Piet_Mondriaan 1899

 

 

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22 avril 2017

CARMINA BURANA - "BACHE BENE VENIES"

UN CHANT MOINS CONNU QUE " O FORTUNA"  

Carmina Burana (latin : « Poèmes » ou « Chants de Beuern ») est le titre que le linguiste allemand Johann Andreas Schmeller a donné à un manuscrit découvert en 1803 dans l’abbaye de Benediktbeuern et dont la première édition date de 1847. Il s’agit de la compilation, partiellement notée en neumes et rédigée entre 1225 et 1250, de chants profanes et religieux composés en latin médiéval — avec certaines parties en moyen haut-allemand et en franco-provençal — majoritairement par les goliards, des ecclésiastiques défroqués ou des étudiants vagabonds. Le manuscrit comporte des chansons d’amour, des chansons à boire et à danser ainsi que des pièces religieuses.

La popularité du recueil connut un regain grâce au vif succès de l'œuvre musicale éponyme de Carl OrffCarmina Burana, composée en 1935-1936, dans laquelle Orff reprend vingt-quatre des chants du manuscrit.

Les 315 pièces différentes se répartissent en :

  • Carmina ecclesiastica (chansons religieuses) ;
  • Carmina moralia et satirica (chansons morales et satiriques) ;
  • Carmina amatoria (chansons d’amour) ;
  • Carmina potoria (chansons à boire) ;
  • Ludi (jeux religieux) ;
  • Supplementum (supplément).
  • Un grand nombre de ces pièces ont été enregistrées par des ensembles de musique médiévale, notamment : Thomas Binkley et le Studio der frühen Musik en 1964 ; René Clemencic et son Clemencic Consort en 1974 ; Marcel Pérès et l’ensemble Organum en 1989 ; Berry Hayward et l’ensemble Caillard en 1990 ; Jean-Michel Deliers et l’ensemble Alegria en 1991 ; ainsi que Joël Cohen et le Boston Camerata.
  • TRADUCTION DU CHANT:

Bacchus, vous êtes les bienvenus, agréable et Desired,
Qui par nos esprits sont rendus joyeux.

Abstenez: Ce vin, bon vin, un vin noble,
Fait un homme courtois, beau et fougueux.

Cette coupe creuse déborde de bon vin;
de toute personne qui boit je seront rassasiées souvent et en état d'ébriété.

Ce sont les vaisseaux royaux pour lesquels était saked
Jérusalem et Babylone royale fait riche

Bacchus Peut-être que le cœur des hommes conquérant
Remue aimer leurs esprits.

Bacchus, la course de la visite Souvent, les femmes,
Fait les soumettre à toi, ô toi, Vénus.

Bacchus, entrant dans leurs veines avec liqueur chaude
les met en feu avec la chaleur de Vénus.

Doux Bacchus apaise les soucis et les peines
Apporte joyeux, les joies, l'amour et rieuse.

Nous chantons tous les plus grands éloges pour vous
vous glorifiant à juste à travers tous les âges.

                                              CarminaBurana_

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20 avril 2017

PEDRO CAMPOS - HYPER REALISME

MERCI A ANDRES VIDAL -  INCROYABLE MAIS VRAI!!    www.pedrocampos.net/ -   incroyables peintures à l’huile photoréalistes 

Pedro Campos est né à Madrid en 1966, il est diplômé de l'Ecole Officielle de la conservation et la restauration des œuvres d'art de Madrid, travaille comme restaurateur d'oeuvres en Espagne et comme illustrateur dans son temps libre. A partir de 1998, il se consacre exclusivement à la peinture hyperréaliste.
Il a exposé en Espagne, en Grande-Bretagne et aux USA - Pedro Campos est un artiste distingué avec toute la préciosité de qui a consacré des centaines d'heures et de patience pour restaurer les peintures en dehors des propres peintures. 

 Les peintures hyperréalistes de l'artiste espagnol Pedro Campos choquent les sens en donnant des éléments mondains un nouveau bail de la vie. Ses sujets, reflètent souvent dans la nature: tels que les fruits sous plastique, canettes de boisson en aluminium ou des billes de verre, possèdent une aura de brillant, la perfection sanctifiés

Avec son habileté complexe, complétée par une expérience dans la restauration d'art, Campos est profondément médité sur la présence des choses et donne à chaque article il peint avec un soupçon de la métaphysique. Aussi Campos Restauration a appris à lutter pour une « réalité globale » et de soumettre son coup de pinceau. Bien que Son art repose sur la photographie, Campos va au-delà de la photographie pour créer une huile sur toile esthétique distinctive que telle est sa seule.
Campos n'a pas eu son solo Première exposition jusqu'en 1998, quand il avait une projection à Salamanque et La Corogne. Les résultats de cette ont été si encourageants que l'année suivante, il a déterminé à renoncer à toutes les autres activités et devenir peintre à temps plein - et avec beaucoup de succès. Ses bribes méticuleusement exécutées du monde réel sont exécutées avec la précision minutieuse des mathématiques supérieures; et pourtant ce qui semble être très cool, œuvres d'art, sans émotion esthétique embrassant quiétiste, démoulez de déclencher une émotion intense. Ce qui commence en mathématiques, se termine par un subtil et une magie pratiquement indéfinissable.

John Russell Taylor, extrait de Exactitude: hyperréaliste Art Aujourd'hui

                                   Pedro_Campos__

 

 

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19 avril 2017

LES ATELIERS DE LA TERRE A NÎMES

MON ATELIER CHEZ CHRISTINE ROUY-  Musique : "Tiu-Ba-La-Quieba" de The Boyz from Brazil 

J'Y RETOURNE VENDREDI POUR PEAUFINER  MA DERNIERE OEUVRE EN TERRE!!!

                                         20170203_140300_1_1

                                              

 

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17 avril 2017

JOHANNES STOETTER - BODY PAINTS - "PAINTING ANIMALS" -

SUPERBE ILLUSIONS !!  http://www.johannesstoetterart.com/johannes-stoetter-artist-musician-fine-art-bodypainting.html

Artiste, musicien & fine-art-Bodypainter

Johannes Stötter

Johannes Stötter est un artiste, un musicien et un bijoutier d'art. Né et basé dans le Tyrol du Sud (Italie), il a passé sa petite enfance dans les hautes Alpes et a grandi avec 3 frères et une soeur dans une famille de musiciens. Il chante, joue du violon, du sifflet et du bouzouki dans le groupe Folk celtique " Burning Mind ", il étudie l'éducation et la philosophie à l'Université d'Innsbruck en Autriche et participe à plusieurs projets sociaux qu'il a combinés avec l'art et la musique.

En tant qu'artiste entièrement autodidacte, Johannes a développé son style de peinture et sa technique de bodypainting sans aucune relation avec d'autres artistes de bodypainting et leur travail. Il a rejoint la communauté internationale de bodypainting en 2009 au World Bodypainting Festival en Autriche, où il a participé pour la première fois au championnat du monde de bodypainting.

Au cours des années suivantes, il a remporté de nombreux prix, notamment le Championnat du Monde 2011 et 2014, Champion d'Italie 2011 et 2013, vainqueur du North American Bodypainting Championship, Atlanta, Georgia, USA 2013 et Winner of the International Prix ​​de l'artisanat des arts martiaux "2014.

En 2013, il est devenu célèbre dans le monde entier avec sa création légendaire d'une grenouille tropicale composée de 5 corps humains, donc il a fait la manchette dans la presse mondiale et a été présenté dans les journaux, les magazines et les magazines en ligne comme New York Post, New York Daily News, The Sun , The Times, The Mirror, The Guardian, Dailymail, Bild, Stern, Spiegel, Focus, Süddeutsche Zeitung, View et bien d'autres encore, dans les chaînes de télévision comme CNN, BBC, TV Globo, RAI, ZDF, Pro7, RTL, DW, ORF , Ntv Japan et beaucoup plus, ainsi que dans les livres publiés "The Art of Bodypainting" (Peter de Ruiter), "Champions of Heart" (Karala B), "The Human Canvas" (Karala B) et dans le Calendrier " Peintures " (Weingarten Verlag).

Aujourd'hui, Johannes enseigne Bodypainting à la World Bodypainting Academy - au WBF ( World Bodypainting Festival ) ainsi que dans le monde entier - et Anatomic Bodypainting à l' Académie Yoni . Il travaille et expose partout dans le monde en collaboration avec son agence wb-production .

                                      johannes_stoetter

 

 

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14 avril 2017

LE CHAT EN PEINTURE

MERCI ROSA CORLEONE!! Le chat a traversé toutes les époques et plaît à tous les styles de peinture, c'est le compagnon incontesté des peintres et des artistes.   Musique : "Come Away With Me" de Norah Jones

Mystérieux, souvent indolent, toujours prêt à bondir comme un fauve, alternativement symbole de quiétude domestique et de pulsions démoniaques ou magiques, le chat traverse l'histoire des civilisations et l'histoire de l'art.

l_onord_fini  LEONORD FINI  née à Buenos Aires, Argentine, le 30 août 1908, et morte à Paris le 18 janvier 1996, fut une artiste peintre surréaliste, décoratrice de théâtre et écrivaine, d'origine italienne!!

Leonor Fini adorait les chats, elle a peint de nombreux tableaux et dessiné plusieurs esquisses et aquarelles en hommage aux chats. En 1977, elle consacra même un livre entièrement dédié à sa passion pour les félidés, Miroir des chats.!!

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13 avril 2017

DALOU - SCULPTEUR DE LA REPUBLIQUE

EXPOSITION PETIT PALAIS  2013

Aimé-Jules Dalou, dit Jules Dalou, né à Paris le 31 décembre 1838, et mort dans la même ville le 15 avril 1902, est un sculpteur français.!

Dalou est né dans une famille d’artisans gantiers. Ses parents protestants l’élèvent dans la laïcité et l’amour de la République.

Jules Dalou montre très jeune des dons pour le modelage et le dessin, ce qui lui vaut l’attention de Jean-Baptiste Carpeaux, lequel le fait entrer en 1852 à la Petite École, future École nationale supérieure des arts décoratifs, où il suit les cours d'Horace Lecoq de Boisbaudran.

En 1854 il est admis à l’École des beaux-arts de Paris où il étudie la peinture dans l'atelier d'Abel de Pujol et la sculpture dans l'atelier de Francisque Duret1. Il commence à gagner sa vie en travaillant pour des ornemanistes. C'est chez l'un d'eux que débute son amitié avec Auguste Rodin. Paris est alors en pleine mutation, Dalou se forge une expérience en travaillant dans les grands chantiers de la capitale en se formant à l’architecture et à la décoration des immeubles sur les grandes avenues parisiennes : à ce titre il participe à la décoration de l'hôtel de La Païva avenue des Champs-Élysées. Il travaille également pour l'atelier d’orfèvrerie des frères Fannière.

Il se présente quatre fois au concours du Prix de Rome et est refusé à chaque fois! Il en conçoit de la rancœur envers les institutions artistiques officielles.

Le conflit franco-prussien bouleverse l’ordre du Second Empire et la défaite de Sedan provoque la proclamation de la IIIe République. Dalou s’engage dans le combat. On le retrouve officier au 83e bataillon des fédérés. Le 18 mars 1871, la Commune de Paris met en place un gouvernement insurrectionnel. Gustave Courbet que l’on vient d’élire à la Fédération des Artistes de la Commune de Paris, appelle Dalou auprès de lui et le fait nommer, administrateur provisoire adjoint au musée du Louvre, au côté d'Henry Barbet de Jouy, avec pour mission de protéger les collections du vandalisme. Le 17 mai, Dalou et sa famille, pour mener à bien sa surveillance, s’installent dans le musée.!

Aux lendemains de la Semaine sanglante de mai 1871, Dalou, sa femme et leur fille sont menacés en tant que Communards, contraints à l'exil et demandent le droit d'asile. Le 6 juillet de la même année, ils peuvent rejoindre l'Angleterre et sont accueillis par son ancien condisciple de la Petite École, le peintre et graveur Alphonse Legros.

À Londres les premières années sont difficiles mais grâce à l'aide bienveillante que lui apporte Legros, très introduit à la City, il réalise une série de statuettes en terre cuite inspirées par les paysannes boulonnaises ou par des sujets intimistes (LiseuseBerceuse), et des portraits de l'aristocratie anglaise. À la fin de 1874 Dalou trouve un emploi de professeur de modelage à la National Art Training School. Son influence est déterminante auprès des sculpteurs britanniques de la New Sculpture. Il reçoit commande d’une fontaine publique appelée Charity (1877) près du Royal Exchange à Londres, et d'un monument pour la reine Victoria dédié à ses petits-enfants situé dans la chapelle privée de Frogmore au château de Windsor.

Pendant cet exil, le gouvernement français choisit d'envoyer en 1876 le bronze de La Brodeuse dans sa sélection officielle de la France pour l'exposition internationale de Philadelphie. Mais malgré toutes les propositions qui lui sont faites par ses confrères anglais, il refuse d'exposer dans la section anglaise du Salon en France, ne voulant pas être abrité par un drapeau étranger dans son propre pays.

Le 1er mai 1874, le 3e Conseil de guerre de Paris le condamne aux travaux forcés à perpétuité par contumace pour ses fonctions d'officier dans la Commune et son poste d'administrateur adjoint du Louvre. Ayant refusé de demander grâce, ce n’est qu’en mai 1879, après avoir été amnistié sous la présidence Jules Grévy que Dalou et sa famille rentrent enfin d’exil.!

Pour l'Exposition universelle de 1889, dite Exposition du Centenaire, on inaugure sur la place de la Nation le plâtre (teinté couleur bronze) du groupe allégorique Le triomphe de la République commandé par la ville de Paris en 1879. Bien que la version bronze du groupe ne fût inaugurée qu'en 18999, cette œuvre remporte le grand prix de sculpture de l'exposition.

Dalou quitte la Société des artistes français en 1890 pour exposer désormais à la Société nationale des beaux-arts, dont il est membre fondateur avec Ernest MeissonierAuguste Rodin et Pierre Puvis de Chavannes.

Nommé chevalier de la Légion d'honneur en 1883, puis promu officier par le président Carnot en 1889, il est élevé au grade de commandeur du même ordre en 1899 par le président Loubet lors de l'inauguration de son monument du Triomphe de la République.! (SUITE SUR WIKIPEDIA)

REPUBLIQUE_dalou LA REPUBLIQUE NATION -  PARIS

 

 

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12 avril 2017

PAUL KLEE

MERCI INESVIGO -

Paul Klee, fut un peintre allemand né le 18 décembre 1879 à Münchenbuchsee, près de Berne, et mort le 29 juin 1940 dans un hôpital de Locarno, dans le canton du Tessin en Suisse.

C'est un des artistes majeurs de la première moitié du XXe siècle, inspirateur d'autres artistes parmi lesquels Zao Wou-Ki, pour lequel Claude Roy considère qu'il a été « un médiateur, un recours merveilleux contre deux périls qui menacent alors le jeune artiste.

Klee connaîtra ses premiers grands succès en 1917, pendant la Première Guerre mondiale. Ce fut un peintre et un pédagogue apprécié : dès septembre 1920, il enseignera au Bauhaus de Weimar fondé par Walter Gropius, en 1919. En 1931, il sera professeur à l'Académie des beaux-arts de Düsseldorf, d'où il sera congédié en 1933 par les nationaux-socialistes qui l'attaquèrent violemment. Exilé en Suisse à partir de 1934, il demanda sa naturalisation, mais il ne l'obtiendra que quelques jours après sa mort en 1940.

Ses cendres ont été inhumées en 1946, au cimetière de la Schosshalde de Berne4. C'est également à Berne que l'architecte Renzo Piano a édifié le Centre Paul-Klee, ouvert depuis le 20 juin 2005, et où l'on trouve une très grande variété des œuvres du peintre, depuis ses dessins jusqu'à ses marionnettes.

Son œuvre, que son fils Felix définit comme « énigmatique », a posé bien des questions aux critiques d'art, car elle suit un cheminement peu commun. De constructive qu'elle était au temps du Bauhaus, elle devint graduellement plus intuitive et, selon Antoni Tàpies, plus spirituelle : « Klee est en Occident un de ces privilégiés qui ont su donner au monde de l'art la nouvelle orientation spirituelle qui manque aujourd'hui où les religions semblent faire faillite. On pourrait voir en lui le parfait représentant de ce que Mircea Eliade appelle l'unique création du monde moderne occidental !

Paul Klee nous a laissé un immense héritage. Il a su exprimer le fait que le tableau doit être une chose organique en lui-même, comme sont organiques les plantes et les animaux, tout ce qui vit au monde et dans le monde. C'est là l'affirmation la plus importante de l'œuvre de Paul Klee, qui annonce par là la « peinture inobjective » de Robert Delaunay, dont il a commencé à appliquer les principes de rythme de couleur à partir de 1913. Il devança les surréalistes par ses visions, son goût du rêve, son abandon à l'irrationnel, et les abstraits par ses fonds musicaux qui ne sont que taches de couleur et suggestion de mélodie!!   (SUITE SUR WIKIPEDIA)

                    la_peintre_paul_klee_et_son_chat_bimbo_  PAUL KLEE ET SON CHAT BIMBO

 

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