LE BLOG DE FANFG

09 mai 2021

ANTON HEINRICH DIEFFENBACH

MERCI A K A R O L A -

Dieffenbach_Selfportrait SELF PORTRAIT

Anton Heinrich Dieffenbach né le 4 février 1831, Wiesbaden - décédé le 29 novembre 1914, Le Hohwald) était un peintre de paysage et de genre allemand; noté pour ses portraits d'enfants mignons.

Il a déménagé à Straßburg avec ses parents en 1840 et a pris des leçons d'un artiste local nommé Charles Duhamel. Avec la recommandation de Duhamel, il a pu se rendre à Paris et étudier avec le sculpteur James Pradier.

Après la mort de Pradier en 1852, il revient en Allemagne et s'installe à Wiesbaden et décide de se consacrer entièrement à la peinture.

Après seulement un an, il déménage à Düsseldorf, où il étudie par intermittence à la Kunstakademie, de 1856 à 1857, avec Christian Köhler. Il a également suivi des cours particuliers avec Karl Ferdinand Sohn et Rudolf Jordan.

Pendant plusieurs années, il a été membre de l'association des artistes progressistes, Malkasten [de] (boîte à peinture). Son choix de matière a été fortement influencé par Ludwig Knaus, bien qu'il n'ait jamais été l'un des étudiants de Knaus. Son tableau "Ein Tag vor der Hochzeit" (Un jour avant le mariage) a été créé comme une sorte d'hommage à l'une des œuvres les plus connues de Knaus ("Le mariage d'or"). Il en fit deux exemplaires, dont l'un fut acquis pour le roi Charles Ier de Wurtemberg. L'autre a été vendu aux États-Unis en 1868.

En 1863, après une brève période de service militaire, il s'installe à Paris et y vécut jusqu'au déclenchement de la guerre franco-prussienne. A cette époque, il se rend en Suisse puis, après la guerre, à Berlin. En 1897, il retourna dans la ville de sa jeunesse, Straßburg.

Il est nommé membre honoraire de "l'Association des artistes de Straßburg" et passe ses mois d'été dans les Vosges, où il réalise de nombreux croquis qu'il transforme en huile dans son atelier. Ses peintures de cette période sont presque entièrement constituées de paysages.(WIKIPEDIA)
anton anton_2 "PAYSAGES"

 anton6 "LES AMIS"

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07 mai 2021

JULIE ESPIAU

MERCI A Julie Espiau Sculptures Céramiques - MUSIQUE : Jimmy - Artiste : Moriarty

Julie Espiau explore les corps voluptueux féminins par la mise en contraste des vides et des pleins, où s'entremêlent lignes et courbes. Elle met en forme les corps féminins généreux et la sensualité des attitudes grâce à la métaphore des naïades, nymphes d’eau.
          images__2_

 

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04 mai 2021

ALFRED AUGUSTE JANNIOT

MERCI A Palais de la Porte Dorée -  Rythmée par des allégories, au milieu d’une faune abondante et d’une flore luxuriante, cette “tapisserie de pierre” de 1130 mètres carrés exalte les richesses coloniales.Réalisée en moins de deux ans par Alfred Auguste Janniot, sculpteur spécialisé dans les décors monumentaux!!

SITE : http://www.janniot.com/oeuvres.html

Alfred Auguste Janniot, né le 13 juin 1889 à Paris et mort le 18 juillet 1969, fut un sculpteur français.

Élève de l'École des beaux-arts de Paris, Alfred Janniot fait partie de la génération des « artistes du feu », en rapport avec la Grande Guerre. Revenu de la Première Guerre mondiale, il obtient en 1919 le premier prix de Rome de sculpture qu'il partage avec le sculpteur Raymond Delamarre. Il sera professeur à l'École des beaux-arts de Paris.

junniot ATELIER

Janniot est l'auteur d'un œuvre monumental important. Ami de Jacques-Émile Ruhlmann, du peintre Louis Bouquet il participe à l'Exposition des Arts décoratifs de 1925, réalise le grand bas-relief de pierre sur la façade du musée des colonies, construit à l'occasion de l'Exposition coloniale de 1931!!

il décora de deux grands bas-reliefs l'arrière du palais de Tokyo construit en 1937, près de la fontaine.

Son œuvre est également présente à New York et à Nice, où il réalisa avec l'architecte Roger Séassal le grand monument aux morts de style Art déco sur la Corniche ainsi que la fontaine du soleil de la place Masséna!

 Il a également sculpté les bas-reliefs ornant le fronton de l'Hôtel de Ville et du bureau de poste principal de Puteaux en 1934, la fresque de l'escalier d'honneur étant confiée à Louis Bouquet.

À Bordeaux il réalise en 1937 des reliefs sur la façade de la bourse du travail. Il est également l'auteur de la statue qui se trouve sur le palier du département des estampes et de la photographie de la Bibliothèque nationale de France.!

Aux États-Unis
  • New-YorkRockefeller Center : Les Trois Grâces et la rencontre de l'Amérique et de l'Europe, 1934, bas-relief de l'entrée de la Maison de la France.
En France
Au Portugal

Expositions Exposition des arts décoratifs de 1925 : Léda et le Cygne ; La Vigne (pour la tour de Bordeaux).

 

Élèves : Georges Delahaie (1933-2014), sculpteur. - Olivier Pettit (1918-1979), de 1945 à 1952, premier second prix de Rome en sculpture en 1952. 

(WIKIPEDIA)

             janniot_2

 

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02 mai 2021

DANIELLE JACQUI

MERCI A made in marseille - L'artiste Danielle Jacqui vit dans un véritable musée habité à Roquevaire !

Danielle Jacqui, dite « Celle qui peint », est une peintre et sculptrice française, née le 2 février 1934 à Nice.

Elle vit à Roquevaire (Bouches-du-Rhône), où elle est célèbre pour avoir entièrement décoré sa maison.

                 portrait_danielle_jacqui_devant_sa_maison

Fondatrice du festival d'art singulier d'Aubagne, elle est l'une des plus emblématiques figures de ce mouvement issu de l'art brut (Neuve Invention) et de l'« art hors-les-normes »

Danielle Jacqui naît d'un père joaillier et d'une mère militante féministe. La rapide séparation de ses parents constitue un déchirement à la suite duquel elle est placée en pension, pour être finalement confiée à un couple d'instituteurs en 1945. Elle est alors soumise et admise dans un processus appelé alors « école nouvelle » de type -Julien- ou Freinet au centre scolaire; « li Pitchoun Mistralen » devenu « Torchok » au château Mistral à Saint-Rémy-de-Provence, puis république des enfants lors de la transplantation de l'école à Moulin Vieux Lavaldens Isère ce qui ouvrira durablement son expression en développement d'une énergie de libre expression à défaut d'un champ de scolarité normal.

Des études en dents de scie, jusqu'en fin de seconde, elle doit arrêter ses études et se marie, à l'âge de 18 ans. Elle aura et élèvera quatre enfants.

À la suite de son divorce en 1970, elle devient brocanteuse, métier qui lui donne une culture avant tout tactile, par l'objet, et entre autres, le goût de la récupération.

À partir de cette époque, elle entame conjointement une production de peintre qu'elle commence à montrer.

L'investissement dans son intérieur n'a eu de cesse à partir du jour où elle entra en possession d'un intérieur sien. De sa propre maison, c'est dans le naturel qui la caractérise qu'en résultat, pas un seul centimètre carré sans son intervention en peinture, mosaïques, et autres broderies s'est fait jour.

En 1990, elle fonde et organise le festival d'art singulier d'Aubagne.

À partir de novembre 2006, elle est invitée en résidence d'artiste en lieu de la céramique à Aubagne, et elle inaugure et poursuit un travail d'ensemble sur plusieurs centaines de mètre carré des sculptures en céramique de grès qui formeront l'ensemble conceptualisé par ses soins en colossal d'art brut-ORGANuGAMME- travail énorme et fabuleux qui finalement dédaigné par la Ville d'Aubagne, est parti sur donation en plusieurs lieux en France et majoritairement a été adopté par la Ville de Renens en Suisse qui doit élever la chose!

Le travail de Danielle Jacqui est représenté dans des lieux et collections concernant l'art singulier : la Fabuloserie (Dicy), le Musée de la Création Franche (Bègles), le musée international d'art naïf Anatole Jakovsky (Nice), de même que la Collection de l'art brut (Lausanne).

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30 avril 2021

IVAN MARKOVIC - SCULPTURE PAPIER

MERCI A Luis Guillermo Vicuña -Musique : That's What the Blues Is All About - Artiste : Maria Daines

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28 avril 2021

FLORINE STETTHEIMER

MERCI A inesvigo - MUSIQUE -  Ennio Morricone

Florine Stettheimer Florine Stettheimer (1871-1944) fut une peintre et poète américaine.

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Plusieurs de ses tableaux sont exposées au Metropolitan Museum of Art et au Museum of Modern Art.

Excentrique et en retrait, Florine Stettheimer a protégé le lyrisme de ses peintures et poèmes des vicissitudes du monde compétitif qu'est le monde de l'art. Avec ses sœurs Carrie et Ettie, elle a été hôtesse d'un salon de modernistes à Manhattan, qui a accueilli entre autres Marcel Duchamp, Henry McBride et Georgia O'Keeffe, un salon qui est devenu le lieu où Stettheimer a pu faire connaitre et circuler son art.

L'artiste aurait voulu que ses œuvres soient détruites après sa mort, mais ses sœurs en décident autrement. En 1946, deux ans après sa mort une exposition rétrospective est organisée au MoMA.

Sa sœur Ettie Stettheimer fait publier en 1949 un livre de la poésie de Florine Stettheimer, Crystal Flowers, réédité en 2010.

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25 avril 2021

ALAN STIVELL - AN ALARC'H - "LE CYGNE DE MONTFORT" 1972

MERCI A  MarechalDeRochambeau  Paroles (intégralité des fort nombreux complets) : http://per.kentel.pagesperso-orange.f...

Lors de la guerre de Succession de Bretagne, le duc Jean IV de Montfort, dit Jean le Conquéreur (1339-1399), allié aux Anglais contre son rival Charles de Blois, avait été chassé par le roi de France Charles V partisan de ce dernier, avec la complicité de la noblesse bretonne lasse de la présence britannique. Mais, Charles V tentant d'annexer la Bretagne à la France, suite à la mort de Charles de Blois, au mépris des droits de Jean de Montfort, les Bretons unanimes le rappelèrent de son exil : et c'est ainsi que, le 3 août 1379, il débarquait triomphalement à Dinard pour reconquérir le trône de Bretagne.!! La chanson est aujourd'hui un symbole de l'indépendance bretonne.

PS: les images ne sont pas toutes relatives à Jean de Montfort, mais servent à illustrer la chanson de manière crédible

                   133_Bataille_d_Auray

An alarc'h (« Le cygne » en breton), est une chanson traditionnelle bretonne, issue du Barzaz Breiz, considérée comme un chant patriotique. Elle est reprise par des chanteurs bretons contemporains (Alan Stivell, Gilles ServatTri Yann...

                 SurLaRouteDesLegendesCeltes_Couv_2013

Selon Théodore Hersart de la Villemarqué, An alarc'h raconterait le retour d'exil triomphal du duc Jean IV (an aotroù Yann), pour reconquérir son duché, après en avoir été chassé six ans auparavant par ses sujets. Cependant, l'indépendance du duché étant encore plus menacée sans lui qu'avec lui, les seigneurs bretons avaient envoyé une délégation en Angleterre où il avait trouvé refuge pour lui demander qu'il revienne. Il débarque alors à Dinard le 3 août 1379 pour reconquérir le trône de Bretagne.

Le « traître » à la fin de la chanson serait le chevalier breton Bertrand Du Guesclin connétable de France qui, pourtant, n'engagea pas le combat contre le retour du Duc. (WIKIPEDIA)

An Alarc'h c'est le cygne qui, dans la chanson, assiste à la scène depuis le sommet de la tour du château d'Arvor!

        medium  DUC JEAN IV DE MONTFORT

                                 

                             

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22 avril 2021

FRANCISCO DE GOYA -

MERCI A inesvigo - MUSIQUE : Beethoven Symphony No7 in A major op92 II Allegretto

Francisco José de Goya y Lucientes, dit Francisco de Goya, né le 30 mars 1746 à Fuendetodos, près de Saragosse, et mort le 16 avril 1828 à Bordeaux, en France, fut un peintre et graveur espagnol. Son œuvre inclut des peintures de chevalet, des peintures murales, des gravures et des dessins.

self_portraitdegoya SELF PORTRAIT GOYA

Il introduisit plusieurs ruptures stylistiques qui initièrent le romantisme et annoncèrent le début de la peinture contemporaine. L’art goyesque est considéré comme précurseur des avant-gardes picturales du XXe siècle.

Après un lent apprentissage dans sa terre natale, baigné dans le style baroque tardif et les images pieuses, il voyage en Italie en 1770, où il entre en contact avec le néo-classicisme qu’il adopte lorsqu’il s’installe à Madrid au milieu de la décennie, en parallèle avec un style rococo lié à son emploi de dessinateur de tapisserie pour la manufacture royale Santa Barbara. Son enseignement, tant dans ces activités que comme peintre de la Chambre, était assuré par Raphaël Mengs, alors que le peintre espagnol le plus réputé était Francisco Bayeu, beau-frère de Goya.

Il contracte une grave maladie en 1793 qui le rapproche de peintures plus créatives et originales, autour de thèmes moins consensuels que les modèles qu’il avait peints pour la décoration des palais royaux. Une série de tableaux en fer-blanc, qu’il nommait « caprice et invention », initient la phase de maturité du peintre et la transition vers l’esthétique romantique.

Son œuvre reflète de plus les caprices de l’histoire de son temps, et surtout les bouleversements des guerres napoléoniennes en Espagne. La série d’estampes Les Désastres de la guerre est presque un reportage moderne sur les atrocités commises et met en avant-plan un héroïsme où les victimes sont des individus qui n’appartiennent ni à une classe ni à une condition particulière.

ddlgcontrelebiencommunLES DESASTRES DE LA GUERRE!!

La célébrité de son œuvre La Maja nue est en partie liée aux controverses sur l’identité de la belle femme qui lui servit de modèle. Au début du XIXe siècle, il commence également à peindre d’autres portraits et ouvre ainsi la voie à un nouvel art bourgeois.

                img_Maja_desnuda_Maja_vestidaLA MAJA NUE ET VETUE

À la fin du conflit franco-espagnol, il peint deux grandes toiles sur le soulèvement du 2 mai 1808 qui établissent un précédent tant esthétique que thématique sur les tableaux historiques, qui non seulement informe sur les événements vécus par le peintre, mais également lance un message d'humanisme universel.

Son chef-d’œuvre est la série de peintures à l’huile sur mur sec qui décorent sa maison de campagne, les Peintures noires. Avec elles, Goya anticipe la peinture contemporaine et différents mouvements avant-gardistes du XXe siècle.!!

LES_CAPRICES_GOYA

Francisco_de_Goya__Saturno_devorando_a_su_hijo__1819_1823_ SATURNE DEVORANT SES ENFANTS

L’œuvre de Francisco de Goya commence approximativement en 1771 avec ses premières fresques pour la basilique du Pilar à Saragosse et termine en 1827 avec ses dernières toiles, dont la Laitière de Bordeaux. Durant ces années, le peintre produisit presque 700 peintures, 280 gravures et plusieurs milliers de dessins.

 

L’œuvre évolua depuis le rococo, typique de ses cartons pour tapisseries jusqu’aux très personnelles peintures noires, en passant par les peintures officielles pour la cour de Charles IV d’Espagne et de Ferdinand VII d’Espagne.

La thématique goyesque est ample : le portrait, les scènes de genre (chasse, scènes galantes et populaires, vices de la société, violence, sorcellerie), les fresques historiques, religieuses, ainsi que des natures mortes. 

L'essentiel de l’œuvre de Goya est conservée en Espagne, notamment au musée du Prado, à l'académie royale des beaux-arts de San Fernando et dans les palais royaux.

Le reste de la collection est repartie dans les principaux musée du monde, en France, au Royaume-Uni (National Gallery) et aux États-Unis (National Gallery of ArtMetropolitan Museum of Art), en Allemagne (Francfort), en Italie (Florence) et au Brésil (São Paolo). En France, l'essentiel des peintures du maître aragonais sont conservées au musée du Louvre, au palais des beaux-arts de Lille et au musée Goya à Castres (Tarn). Ce dernier musée possède la plus importante des collections, avec notamment l’Autoportrait aux lunettes, le Portrait de Francisco del Mazo, la Junte des Philippines, ainsi que les grandes séries gravées : Los CaprichosLa TauromaquiaLes Désastres de la guerreDisparates

« Goya, cauchemar plein de choses inconnues,
De fœtus qu'on fait cuire au milieu des sabbats,
De vieilles au miroir et d'enfants toutes nues
Pour tenter les Démons ajustant bien leurs bas. »

  • Le cinéma espagnol est récompensé par le prix Goya, une statuette à l'effigie du peintre.
  • Le peintre Ray Letellier a brossé une grande toile Hommage à Goya en 1985
  • Un monument réalisé par Mariano Benlliure en 1902 et offerte par la Ville de Madrid à Bordeaux en 1995
  • (TOUTE LA SUITE SUR WIKIPEDIA)

Goya_Genie_d_avant_garde_Le_maitre_et_son_ecole 

                      goya_statue_madrid  STATUE A MADRID

GOYA_BORDEAUX STATUE A BORDEAUX

 

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19 avril 2021

CHARLES BEAUDELAIRE- " L'INVITATION AU VOYAGE" (LEO FERRE )

MERCI A   Gepetto - Charles Baudelaire,  "Les Fleurs du Mal." 

Moins de deux mois après leur parution, Les Fleurs du mal sont poursuivies pour « offense à la morale religieuse » et « outrage à la morale publique et aux bonnes mœurs ». Seul ce dernier chef d’inculpation sera retenu. Baudelaire est condamné à une forte amende de trois cents francs, réduite à cinquante par suite d’une intervention de l’impératrice Eugénie. L’éditeur Auguste Poulet-Malassis s’acquitte, pour sa part, d’une amende de cent francs et doit retrancher six poèmes dont le procureur général Ernest Pinard a demandé l’interdiction (Les Bijoux ; Le Léthé ; À celle qui est trop gaieLesbos ; Femmes damnées [Delphine et Hippolyte] Les métamorphoses du Vampire).

Le 30 août, Victor Hugo, à qui Baudelaire a envoyé son recueil, lui envoie de son exil à Guernesey une lettre d’encouragement : « Vos Fleurs du Mal rayonnent et éblouissent comme des étoiles. Je crie bravo de toutes mes forces à votre vigoureux esprit. Permettez-moi de finir ces quelques lignes par une félicitation. Une des rares décorations que le régime actuel peut accorder, vous venez de la recevoir. Ce qu’il appelle sa justice vous a condamné au nom de ce qu’il appelle sa morale ; c’est là une couronne de plus ».

Malgré la relative clémence des jurés eu égard au réquisitoire plus sévère qui vise onze poèmes, ce jugement touche profondément Baudelaire. Contraint et forcé, il fera publier une nouvelle édition en 1861, enrichie de trente-deux poèmes.!!

           beaudelaire

Charles Baudelaire fut un journaliste, critique d'Art et poète français. Né à Paris le 9 avril 1821, il meurt dans la même ville le 31 août 1867.

« Dante d’une époque déchue » selon le mot de Barbey d’Aurevilly« tourné vers le classicisme, nourri de romantisme », à la croisée entre le Parnasse et le symbolisme, chantre de la « modernité », il occupe une place considérable parmi les poètes français pour un recueil certes bref au regard de l’œuvre de son contemporain Victor Hugo (Baudelaire s’ouvrit à son éditeur de sa crainte que son volume ne ressemblât trop à une plaquette…), mais qu’il aura façonné sa vie durant : Les Fleurs du mal.

Au cœur des débats sur la fonction de la littérature de son époque, Baudelaire détache la poésie de la morale, la proclame tout entière destinée au Beau et non à la Vérité. Comme le suggère le titre de son recueil, il a tenté de tisser des liens entre le mal et la beauté, le bonheur fugitif et l’idéal inaccessible (À une Passante), la violence et la volupté (Une martyre), mais aussi entre le poète et son lecteur (« Hypocrite lecteur, mon semblable, mon frère ») et même entre les artistes à travers les âges (Les Phares).

Outre des poèmes graves (Semper Eadem) ou scandaleux (Delphine et Hippolyte), il a exprimé la mélancolie (Mœsta et errabunda), l’horreur (Une charogne) et l’envie d’ailleurs (L’Invitation au voyage) à travers l’exotisme.!!

Jeune Dandy endetté, il sera placé sous tutelle judiciaire et mène dès 1842 une vie dissolue. Il commence alors à composer plusieurs poèmes des Fleurs du mal.

Baudelaire habita principalement à Paris où, constamment endetté et pressé de fuir ses créanciers, il occupa une quarantaine de domiciles!!

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 Critique d’art et journaliste, il défend Delacroix comme représentant du romantisme en peinture, mais aussi Balzac lorsque l’auteur de La Comédie humaine est attaqué et caricaturé pour sa passion des chiffres ou sa perversité présumée.

En 1843, il découvre les « paradis artificiels » dans le grenier de l’appartement familial de son ami Louis Ménard, où il goûte à la confiture verte. Même s’il contracte une colique à cette occasion, cette expérience semble décupler sa créativité (il dessine son autoportrait en pied, très démesuré) et renouvellera cette expérience occasionnellement sous contrôle médical, en participant aux réunions du « club des Haschischins ». En revanche, son usage de l’opium est plus long : il fait d’abord, dès 1847, un usage thérapeutique du laudanum, prescrit pour combattre des maux de tête et des douleurs intestinales consécutives à une syphilis, probablement contractée vers 1840 durant sa relation avec la prostituée Sarah la Louchette. Comme De Quincey avant lui, l’accoutumance lui dicte d'augmenter progressivement les doses. Croyant ainsi y trouver un adjuvant créatif, il en décrira les enchantements et les tortures!!

Baudelaire_autoportrait_en_pied "Portrait en pied" BEAUDELAIRE

Le 24 avril 1864, très endetté, il part pour la Belgique afin d’y entreprendre une tournée de conférences. Hélas, ses talents de critique d’art éclairé ne font plus venir grand monde… Il se fixe à Bruxelles où il rend plusieurs visites à Victor Hugo, exilé politique volontaire. Il prépare un pamphlet contre son éphémère pays d’accueil qui représente, à ses yeux, une caricature de la France bourgeoise. Le féroce Pauvre Belgique restera inachevé. Souhaitant la mort d’un royaume qu’il juge artificiel, il en résume l’épitaphe en un mot : Enfin !

C’est en Belgique que Baudelaire rencontre Félicien Rops, qui illustre Les Fleurs du mal en 1866.

Lors d’une visite à l’église Saint-Loup de Namur, Baudelaire perd connaissance. Cet effondrement est suivi de troubles cérébraux, en particulier d’aphasie. À partir de mars 1866, il souffre d’hémiplégie.

En juillet 1866, on le ramène à Paris. Il est aussitôt admis dans la maison de santé du docteur Guillaume Émile Duval (1825-1899), aliéniste réputé. L’établissement se trouve 1, rue du Dôme. Le poète y occupe, au rez-de-chaussée du pavillon situé au fond du jardin, une chambre bien éclairée ornée de deux toiles d'Édouard Manet, dont la Maîtresse de Baudelaire, peinte en 1862, aujourd'hui au musée des beaux-arts de Budapest.

C’est là qu’il meurt, rongé par la syphilis, le 31 août 1867, à onze heures du matin.!! 

Le Spleen de Paris (autrement appelé Petits poèmes en prose) est édité à titre posthume en 1869, dans une nouvelle édition remaniée par Charles Asselineau et Théodore de Banville. À sa mort, son héritage littéraire est mis aux enchères.!! TOUTE LA SUITE SUR WIKIPEDIA)

 beaudelaire_3 BEAUDELAIRE AU GOÛT DU JOUR!

 

 

 

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07 avril 2021

LEO FERRE - " LES CORBEAUX" d'ARTHUR RIMBAUD

MERCI A DE LÉO FERRÉ À L'AN DIX MILLE -- "Les Corbeaux" est un de ces poèmes d'Arthur Rimbaud que Léo Ferré mit en musique au début des années 1960 et qui fut édité en 1964. Pour le fond du texte de Rimbaud qui doit dater de 1872 , il est expressément fait référence à la guerre toute récente de 1870 et à l’effroi qui s'en ressent encore dans le pays et singulièrement à Charleville d'où est originaire Rimbaud, lequel avait à peine dix-sept ans, quand la guerre éclata et que la défaite se consuma avec la reddition de Sedan, ville voisine de Charleville.
Voici, datant du 25 août 1870, le point de vue de Rimbaud, qui est à Charleville, sur la ville, la guerre..

Arthur Rimbaud fut un poète français, né le 20 octobre 1854 à Charleville et mort le 10 novembre 1891 à Marseille. Bien que brève, son œuvre poétique est caractérisée par une prodigieuse densité thématique et stylistique, faisant de lui une des figures majeures de la littérature française.

Arthur Rimbaud écrit ses premiers poèmes à quinze ans. Après une brève phase d'initiation, par assimilation du style des grands poètes contemporains (Charles BaudelaireVictor HugoThéodore de Banville...), développant déjà une franche originalité dans l'approche de thèmes classiques (« Le Dormeur du val », « Vénus Anadyomène »), il cherche à dépasser ces influences en développant ses propres conceptions théoriques, déclarant que le poète doit se faire « voyant », c'est à dire chercher et décrire l'inconnu par delà les perceptions humaines usuelles, quitte à y sacrifier sa propre intégrité mentale ou physique. Dès lors il se met à innover radicalement en matière d'audace formelle, jusqu'à aborder le genre du poème en prose, alors à ses balbutiements (parsemant ses œuvres d'apophtegmes énigmatiques, comme « changer la vie »« posséder la vérité dans une âme et un corps » ou « il faut être absolument moderne », qui seront repris comme des slogans par les poètes du XXe siècle, en particulier le mouvement surréaliste). Il entretient parallèlement une aventure amoureuse tumultueuse avec le poète Paul Verlaine, qui influence profondément son œuvre.

Vers l'âge de vingt ans, il renonce subitement à la littérature (n'ayant alors publié qu'un seul ouvrage à compte d'auteur — Une saison en enfer — et quelques poèmes épars dans des revues confidentielles), ce qui contribue encore à son mythe. Il se consacre alors dans un premier temps à l'apprentissage de plusieurs langues, puis, mû par ses idées marginales, anti-bourgeoises et libertaires, choisit une vie aventureuse, dont les pérégrinations l'amènent jusqu'en Abyssinie, où il devient négociant (quincaillerie, bazar, vêtements, café, etc.) et explorateur. Sa tentative d'armer Ménélik avec l'aval du Consul de France s'avère désastreuse pour lui ; son unique « trafic d'armes » n'eut véritablement qu'une incidence politique symbolique, mais contribua à sa légende. De cette seconde vie, exotique, les seuls écrits connus consistent en près de 180 lettres (correspondance familiale et professionnelle) et quelques descriptions géographiques.

Des poèmes comme « Le Bateau ivre », « Le Dormeur du val » ou « Voyelles » comptent parmi les plus célèbres de la poésie française. La précocité de son génie, sa carrière littéraire fulgurante, sa vie brève et aventureuse, contribuent à forger sa légende et faire de lui l'un des géants de la littérature mondiale.

son œuvre a considérablement influencé la poésie du XXe siècle. De nombreux auteurs s'en sont réclamés, tels Alfred JarryAntonin ArtaudRoger VitracRené Char, et tous les surréalistes, sans oublier les poètes de la revue Le Grand Jeu comme René Daumal et Roger Gilbert-Lecomte, ou encore Henri Michaux.

Dans la culture populaire, certains artistes-interprètes du rock à partir du milieu des années 1960, notamment aux États-Unis Bob DylanJim Morrison et Patti Smith (cf. l'album Radio Ethiopia dédié à Rimbaud ou encore les paroles de la chanson « Land » sur l'album Horses), ainsi que des artistes d'autres domaines, se sont déclarés influencés aussi bien par sa poésie que par son parcours (TOUTE LA SUITE SUR WIKIPEDIA)

             rimbaud

LEO FERRE En février 1986, toujours fidèle aux anarchistes, Léo Ferré inaugure le Théâtre Libertaire de Paris (Théâtre Déjazet) pendant six semaines avec un récital de nouveau exclusivement consacré aux poètes, qu'il n'a pas cessé de mettre en musique, surtout Rimbaud et Apollinaire). Il reviendra au TLP pour chacun de ses grands rendez-vous parisiens, en 1988 et en 1990.

À la fin de l'année paraît le double LP On n'est pas sérieux quand on a 17 ans, qui synthétise toutes les facettes de son travail en assemblant des éléments épars de ses innombrables chantiers en cours.

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