LE BLOG DE FANFG

24 février 2017

CLEOPÂTRE - REINE D'EGYPTE

ARTISTE MAIS PAS QUE!!!! L'HISTOIRE EGYPTIENNE ME PASSIONNE!!!!!!

Documentaire sur la reine d'Égypte Cléopâtre. Cléopâtre est un personnage dont la légende s'est emparée, de son vivant même, et le tragique de sa mort n'a fait que renforcer la tendance au romanesque qui entoure le personnage et qui parfois gêne l'historien dans une approche objective de cette reine d'Égypte, sans doute la femme la plus célèbre de l'Antiquité. Titre original : The real Cleopatra.

En bonus : le Pharaon-Architecte Snefrou

_cleopatre_

                                                    FAN__20ANS  FANFG EN CLEOPÂTRE!!!!

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23 février 2017

VERMEER - AU MUSEE DU LOUVRE

PRESSE LOUVRE  - EXPO DU 22/2 au 22/5 2017

Réunissant pour la première fois à Paris depuis 1966 douze tableaux de Vermeer (soit un tiers de l’œuvre connu du maître de Delft), l’exposition explore le réseau fascinant des relations qu’il a entretenues avec les autres grands peintres du Siècle d’or hollandais. 
Les prêts exceptionnels consentis par les plus grandes institutions américaines, britanniques, allemandes et bien sûr néerlandaises, permettent de montrer Vermeer comme jamais auparavant.
La légende d’un artiste isolé dans son monde inaccessible et silencieux s’efface, sans pour autant que Vermeer tende à n’être plus qu’un peintre parmi d’autres. En réalité, mis au contact de celui des autres, son tempérament d’artiste, au contraire, se précise, s’individualise. Plus qu’un lanceur de styles, Vermeer apparaît comme un peintre de la métamorphose.

                        VERMEER

 

 

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20 février 2017

MARY FEDDEN

MERCI A INESVIGO - 

  • "Concerto for Oboe, Strings & B.c. in A major, BWV 1055: II. Larghetto" de Howard Griffiths, Strings of Zurich

Mary Fedden Neé à Bristol (Royaune Uni)le 14/8/1915/ morte en  2012

Mary Fedden fut diplômée de la Slade School of Art en 1936 et est ensuite retournée à Bristol où elle a enseigné et peint jusqu'à l'éclatement de la Seconde Guerre mondiale. Depuis 1946, elle avait développé ses propres natures mortes de style et de fleurs qui rappellent Matisse et Braque. Elle a épousé Julian Trevelyan, aussi un artiste, qui plus tard, il a dit «vraiment changé la direction de ma peinture».

Elle a enseigné la peinture au Royal College of Art de 1956 à 1964, la première femme à enseigner à l'école de peinture. Ses élèves ont inclus David Hockney et Allen Jones . Elle a enseigné par la suite à l' école Yehudi Menuhin à Cobham, Surrey ,pour musiciens talentueux de 1965 à 1970.

 En 1995, elle avait déclaré dans une interview pour le magazine 'The Artiste ':

«Je suis en fait l'influence de l'influence .... Je découvre Ben Nicholsons abord fasciné par les photos de sa femme Winifred. J'admire aussi l'artiste écossais Anne Redpath et peintre français Henri Hayden.

Les sujets de Fedden sont souvent exécutés dans un style audacieux et expressif avec des couleurs vives et contrastées, bien que son travail de 2005-6 utilise une gamme tonale plus étroite. Ses natures mortes sont souvent placées devant un paysage, comme elle a apprécié le contraste des éléments disparates, même bizarres. En utilisant des aquarelles, elle a souligné la texture rugueuse de ses papiers indiens préférés.

Elle fonctionnait exclusivement aquarelle et collage, ses natures mortes, placées devant un paysage, en profitant du contraste et de non-sens, même des éléments bizarres. elle préfèrait les surfaces rugueuses du papier indien !

Mary Fedden a fait de nombreuses expositions. elle a exposé individuellement à New Gallery Grafton, Beaux Arts Gallery Hull et Christopher Redfern Gallery à Londres. Nous aurons également commandé plusieurs peintures murales, dont le Festival de la Grande-Bretagne en 1951 et pour les écoles à Bristol, Hertfordshire et Londres 

À partir de 1984, Fedden avait occupé le poste de président du RWA , jusqu'à 1988, la même année que son mari Julian Trevelyan est mort. Elle fut académicienne de l' Académie royale et a reçu un doctorat honorifique de l' Université de Bath . Elle a également reçu un OBE  et un diplôme honorifique de l' Université de Durham (2009) pour son travail.

Pendant de nombreuses années, Fedden fut une amie proche de l'ancienne présentatrice de télévision, Anna Ford . Fedden est restée une peintre prolifique et populaire jusqu'à sa mort en 2012. Elle a continué à vivre et à travailler dans le studio qu'elle a partagé avec son mari des années 1940 sur la Tamise , Londres . Elle est morte, 96 ans, à Londres.

                                 Mary_Fedden 

Mary_Fedden2

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19 février 2017

SYDNEY BECHET - " SUMMERTINE"

LE BON TEMPS DES CAVES OU LE JAZZ ETAIT DE MISE A PARIS!!!!!!!

Summertime est une chanson composée par George Gershwin, avec des paroles de DuBose Heyward pour l'opéra en trois actes Porgy and Bess dont la première représentation date de 1935 .

Sydney_poitier_et_dotothy_Danbridge  SYDNEY POITIER ET DOROTY DANBRIDGE   1959

Porgy and Bess est un opéra composé par George Gershwin sur un livret d'Ira Gershwin et de DuBose Heyward, adaptation du roman Porgy (1925), écrit par DuBose Heyward. De ce roman, Heyward et sa femme Dorothy ont tiré en 1927 une pièce de théâtre homonyme. Ces trois œuvres traitent de la vie des Afro-Américains dans le quartier fictif de Catfish Row à Charleston, en Caroline du Sud, au début des années 1930.

Summertime est la chanson la plus connue de cet opéra : elle a été reprise par de nombreux artistes, principalement en jazz vocal et instrumental.

Porgy and Bess est un film musical américain réalisé par Otto Preminger, sorti en 1959. 

                             sydney_poitier

George Gershwin, pseudonyme de Jacob Gershowitz, fut un compositeur américain, né le 26 septembre 18982 à Brooklyn (New York) et mort le 11 juillet 1937 à Los Angeles (Californie).

Né dans une famille juive prolétarienne originaire de Saint-Pétersbourg, George Gershwin fait ses débuts comme pianiste d'orchestre à Broadway. Son frère, Israël dit « Ira », parolier, écrit la plupart des textes de ses chansons que s'arrachent bientôt Al JolsonFred AstaireGinger Rogers ou le producteur Florenz Ziegfeld. Créateur du jazz symphonique, il fait triompher ses comédies musicales. À Paris, il rencontre Maurice Ravel. À Vienne, il se lie d'amitié avec Alban Berg. Véritable star, grand amateur de jolies femmes (Paulette GoddardSimone Simon…), ami d'Arnold Schönberg (avec qui il jouait au tennis, mais dont il ne comprend pas la musique), il s'installe à Hollywood pour composer des partitions cinématographiques ou des chansons populaires. Bon nombre de ses œuvres sont devenues de grands standards de jazz grâce notamment à Ella FitzgeraldLouis ArmstrongHerbie Hancock et de nombreux autres chanteurs ou acteurs. Il meurt des suites d'une désastreuse intervention chirurgicale au cerveau.

                              George_Gershwin_1937  1937

 SUITE SUR WIKIPEDIA!!!!!!!!!!!!!

                   

 

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18 février 2017

ANTONIO BERNI

Marcelo Firpo   "Juanito Laguna (feat. Alexis Venegas)" de Inti Illimani  

Delesio Antonio Berni fut un artiste neofiguratif, né à Rosario, province de Fe De Santa, (Argentine), le 14 mai 1905, mort le  13 octobre 1981. Il a travaillé en tant que peintre, illustrateur et graveur. Son père, Napoleón Berni, était immigré tailleur de L'Italie. 

Il a étudié la peinture au centre Català à Rosario. En 1920, Berni a eu sa première exposition : 17 peintures à l'huile des paysages suburbains et des fleurs. Il a exposé chaque année de 1921 à 1924!  En 1923 il était à la galerie de Witcomb à Buenos Aires, il a gagné la flatterie des critiques pour son "impressionnisme!

À Paris, il a eu comme ami Louis Aragón, auteur français , un des chefs de Dada et du surréalisme, qui l'a influencé artistiquement et lui a présenté André Breton poète et critique. Egalement Henri Lefebvre, qui l'initie à la lecture Karl Marx. Avec l'influence combinée de ses amis dans la politique, de Giorgio de Chirico et René Magritte dans les arts, il a finalement embrassé le surréalisme et communisme. Il a commencé à aider Aragón dans son anti-sémitisme-impérialiste lutte à Paris, là, où Chinois, Africain, Vietnamiens et d'autres personnes de minorité étaient abondants. Berni a distribué un journal pour des Asiatiques et a illustré d'autres publications. En attendant, il a étudié la peinture et la poésie surréalistes, et le travail de Sigmund Freud. Un de ses moments d'éclairage est venu quand il s'est lié d'amitié avec Tristan Tzara dans 1930.

Son modèle de surréalisme ne ressemble pas à Miro ou Dali, il a aimé le modèle de Chirico et lui a donné un nouveau contenu.!

En 1930 Berni s'est marié et a eu une fille. Choqué par les nouvelles du coup d'Etat des militaires à Buenos Aires, il a décidé d'y retourner, et se mêler à la campagne, puis, à Rosario, là où il a travaillé dans l'hôtel de ville. Il a organisé une association d' artistes et des étudiants, et fut brièvement membre du parti communiste local.

En 1932 il a exposé ses peintures surréalistes. Ce fut le premier affichage de ce mouvement d'art en Amérique Latine, et le public pas accoutumé à sa pêinture ; les critiques l'ont condamné.

L'Argentine était selon la règle d'un conservateur dictature, un temps problématique complètement de lutte sociale, les grèves des ouvriers et le chômage. Le monde dans l'ensemble se déplaçait vers des périodes plus noires, avec le totalitarisme, l'élévation du Nazisme en Allemagne, la Guerre Civile Espagnole, etc... Le surréalisme feutré de Berni était loin de cette époque, loin du réalisme social, mais à commencé en 1934 avec les deux peintures appelées Desocupados ("personnes sans emploi") et Manifestación ("démonstration").

Dans les années 40 Berni a étudié l'art Pré-Colombien pendant un voyage à travers La Bolivie, L'Equateur, Le Pérou et La Colombie, et l'influence peut être sentie dans Indígena de Mercado ("marché indien"). Cette décennie était une des révolutions et d'états de coups en Amérique latine, y compris l'Argentine en 1943. Entre 1948 et 1951 il a peint Masacre ("Massacre"), Muerto d'obrero de EL ("l'ouvrier mort"), et une autre toile avec des symboles portants de personnes de paix, l'année de la première bombe à hydrogène créee par Les Etats-Unis.

De 1951 à 1953 il a vécu en Santiago del Estero, une province en Argentine du nord-ouest qui avait subi et subissait toujours des dommages écologiques massifs, principalement surrexploitation de québracho arbre (pour le son tannin et son dur, durable bois de construction) par quelques propriétaires fonciers qui ont exploité leurs ouvriers. Puis les années suivantes, Les travaux de Berni ont reflété le monde normal social. En 1955-1956 il a peint la série Chaco, dépeignant la situation semblable à Chaco; il fut exposé à Paris, Berlin, Varsovie, Bucarest et Moscou.

A cette époque, il a également peint quelques paysages suburbains, et inventé deux caractères courants qui feraient de ses travaux mondiaux et reconnaissables, Juanito Montiel et Ramona Laguna.

En 1976 Berni est allé vivre à New York City, où il a peint, fait de la gravure et du collage,  Il a peint 58 oeuvres pour une exposition au Texas, mais n'ont été jamais montré!! mais récupérés et apportés de nouveau en Argentine après sa mort, dans 1982. New York n''apprécia guère ses travaux , jugés d'un social ironique!

En 1981 ses peintures sont devenues plus spirituelles et réfléchies. Il a peint les fresques apocaliptiques pour une chapelle du Le Général Las Heras, Buenos Aires; a Garage de EL d'en de Cristo (le "Christ dans le garage"), et l'opposition de la nature et de l'humanité par une femme nue se situant dans le sable sous la lune, cette nuit harmonieuse troublée par le dépassement d'un avion. Berni mort cela la même année, 13 octobre.

                      AntonioBerni

 

 

 

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15 février 2017

VALENTIN DE BOULOGNE

Valentin de Boulogne
Réinventer Caravage  du 22 Février 2017 au 22 Mai 2017 -   AU LOUVRE

Considéré comme le plus brillant des peintres à la suite de Caravage et comme l’un des plus grands artistes français, Valentin de Boulogne (1591-1632) passa  l’essentiel de sa carrière à Rome, où il reçut de prestigieuses commandes des papes ; son oeuvre fut aussi collectionnée par les puissants, au premier rang desquels figurent Mazarin et Louis XIV, et servit de modèle tout au long du 19e siècle à des maîtres aussi différents que David ou Courbet.

Aussi libre que Caravage, mort lui aussi dans la fleur de l’âge, il reprend à son devancier un réalisme dramatique, le clair-obscur et des thèmes (tavernes, concerts, martyrs et saints…), mais il les transfigure par un sens inédit à la fois du grandiose et de la mélancolie ainsi que par une sensibilité à la couleur d’inspiration  néo-vénitienne.

Le Louvre, qui possède la plus riche collection au monde d’oeuvres de l’artiste, s’est associé au Metropolitan Museum de New York pour la première monographie dédiée à la figure la plus importante du mouvement caravagesque en Europe.

MERCI INESVIGO -  MUSIQUE : PANIS ANGELICUS

Valentin de Boulogne, dit le Valentin, de son vrai nom Jean Valentin, né le 3 janvier 1591 à Coulommiers et mort le 19 août 1632 à Rome, fut un peintre français, l’un des plus talentueux et des plus illustres représentants du courant des caravagesques.!!

Jean Valentin, fils d'un peintre verrier dont la famille était originaire de Coulommiers, depuis 1489. Le nom de famille fait référence à la ville de Boulogne-sur-Mer, au XVIIIe siècle il est identifié sous le nom de Moïse (ou Moyse) Valentin, ainsi que Valentin de Coulommier. Il existe une confusion sur la date de naissance, dans l'acte de décès il est mentionné être mort à l'âge de 38 ans mais son acte de baptême a disparu.

Il est présumé que Valentin s'est formé à la peinture dans l'atelier de son père avant de se rendre à Paris ou Fontainebleau et suivit l'enseignement de Simon Vouet, qu'il admirait et dont il s'inspira. Il partit ensuite pour l'Italie.

La première trace de la présence de Valentin en Italie est mentionnée dans le stati d'anime de 1620, alors qu'il vit dans la paroisse de Santa Maria del Popolo. Avant cette date on ne peut que spéculer sur ses déplacements et ses activités.

Tout en étudiant en Italie, Valentin fut sous l'influence du Caravage et de Bartolomeo Manfredi. Peintre de scènes de genre et de tableau religieux, il fera sa carrière essentiellement à Rome. (WIKIPEDIA)

                                  valentin_de_boulogne

 

 

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14 février 2017

LES AMOUREUX DE PEYNET ET BRASSENS!!! 1953

MERCI A PEYNET ET A SA FILLE POUR LA ST VALENTIN!    http://www.peynet.com/

Peynet est né en 1908, le 16 novembre, à Paris.

A 15 ans, il entre aux Arts appliqués... école qui, par chance, est située juste en face du bistrot de ses parents (mes grands-parents), auvergnats "montés" à Paris quelques années auparavant.

C'est en entrant dans la vie active, qu'il commence à apprendre véritablement son métier de dessinateur chez "Tolmer", agence de publicité à Paris, en effectuant différentes tâches, qui allaient du balayage de l'agence, du dessin d'étiquettes de parfums et de décors de boîtes de gâteaux, jusqu'à la conception de diverses publicités.

En 1930, il épouse ma mère, Denise, au nom prédestiné "DAMOUR".
Afin de mieux gagner sa vie, il publie ses dessins dans la presse parisienne, très abondante à cette époque : le Rire, Rire à deux, Paris Magazine, The Boulevardier (journal réservé aux Britanniques résidant à Paris),...
C'est en 1942, que sa vie va changer !

Devant remettre un pli confidentiel à un correspondant, à Valence, dans le département de la Drôme, il se trouvait au point de rendez-vous, assis sur un banc, face au kiosque à musique (classé Monument Historique depuis 1982). C'est là qu'il imagine un petit violoniste aux cheveux longs qui jouait tout seul dans le kiosque et une admiratrice qui l'écoutait.

Quelques années plus tard, le violoniste a donné sa place au poète... et l'admiratrice est devenue sa compagne.

"Les Amoureux de Peynet" étaient nés !... et ils ont fait le tour du monde... sur des porcelaines, sur des écharpes, sous forme de poupées, dans des livres, sur des médailles, en statues (telle celle élevée à Hiroshima au Japon)... sur tout ce qui symbolise l'Amour !

"Brassens n'aurait pas écrit "les bancs publics" sans mes Amoureux" disait-il.
Charles Aznavour leur a consacré également une chanson, interprétée par Marcel Amont, "les Amoureux de Papier".

Actuellement, 4 Musées leur sont consacrés : Antibes, Brassac les Mines (ville native de ma Grand-Mère Isabelle), Karuizawa (Nagano - Japon) et Sakuto-cho (Okayama - Japon).

Il s'est éteint dans sa 90ème année, le 14 janvier 1999...
un mois tout juste avant le jour de "sa Saint-Valentin" !    Annie Peynet

 

Georges Brassens, né à Sète, le 22 octobre 19211 et mort à Saint-Gély-du-Fesc le 29 octobre 1981, fut un poète auteur-compositeur-interprète français.

Il met en musique et interprète, en s’accompagnant à la guitare, plus d'une centaine de ses poèmes. Outre ses propres textes, il met également en musique des poèmes de François VillonVictor HugoPaul VerlainePaul Fort ou encore Louis Aragon. Il reçoit le Grand prix de poésie de l'Académie française en 1967.

Il enregistre quatorze albums entre 1952 et 1976. Auteur de chansons populaires françaises, parmi lesquelles : Le GorilleLes Copains d'abordChanson pour l'Auvergnat, Les Amoureux des bancs publics, La Mauvaise RéputationJe me suis fait tout petitLes Trompettes de la renomméeSupplique pour être enterré à la plage de Sète

                         peynet_avec_brassens

 

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13 février 2017

L'ITALIE ET SES PEINTRES MANIERISTES

MERCI LUC COURT - 

BRONZINO/BECCAFUMI/ZUCCARO/SALVIATI/ROMANO/LE CORREGE/LE PARMESAN/LE TINTORET/PONTORMO/ROSSO FIORENTINO/ZUCCARO/VASARI/VERONESE

Le maniérisme, est un mouvement artistique qui s'étend entre 1520 (mort du peintre Raphaël) et 1580 ; c'est une réaction amorcée par le sac de Rome de 1527 qui ébranla l'idéal humaniste de la Renaissance. Contrairement aux précédents mouvements artistiques, la diffusion s'amorçant, il n'est plus circonscrit à l'Italie.

 Le terme « maniérisme » vient de l'italien manierismo (de l'expression bella maniera), dans le sens de la touche caractéristique d'un peintre en opposition avec la règle d'imitation de la nature et, en cela, il fait partie des rares dénominations de courants artistiques importants surtout pratiqués sous le règne de François Ier.!!

Il ne faut pas voir seulement les artistes maniéristes en rupture vis-à-vis de la Renaissance. Ils revendiquent, par des citations et des références, un lien artistique avec Raphaël, Michel-Ange, Léonard de Vinci, ou même Alberti.

Le maniérisme est donc un jeu artistique de l'emprunt, mais aussi un jeu de codes et de symboles souvent troubles. Il s'adresse ainsi aux lettrés de l'époque, en multipliant les allusions et les citations, au risque de brouiller le sens des œuvres. Ainsi, la Vierge à l'Enfant avec les saints de Pontormo de 1518 pour l'autel San Michele Visdomini de Florence, l'atmosphère sombre et trouble, les répétitions, notamment dans les figures, mais aussi la position des personnages ainsi que leur immatérialité, remettent en cause la bonne lecture théologique du tableau d'autel pour le croyant. Ce fait entraîne une réaction au sein même des commandes de l'Église, qui reproche au maniérisme cet aspect artificiel et prône un retour au naturalisme et aux bonnes formules albertiennes. Les Carracci illustrent ce retour vers la renaissance classique.!

C'est ainsi que l'on voit les œuvres maniéristes présenter :

  • un espace désuni, et souvent défini
  • une image trouble et obscure
  • une déformation et une torsion des corps, dont la figure serpentina dessinant un S
  • des tons acides et crus, hérités de Michel-Ange et la chapelle Sixtine à Rome
  • une recherche du mouvement
  • un art de codes, de symboles, de citations d'artistes classiques
  • un art de cour, qui s'adresse à des gens cultivés et lettrés
  • une exagération des formes qui caractérise le maniérisme du XVIe siècle.   

    Mani_risme

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11 février 2017

LA FRANCE ET SES PEINTRES "ROCOCO" 18ème SIECLE

MERCI A LUC COURT -  1ère PARTIE 

WATTEAU/BOUCHER/FRAGONARD/VAN LOO CARL/LEMOYNE/QUENTIN LA TOUR/JEAN FRANCOIS DE TROY/NATTIER/NATOIRE/RESTOUT/CHARDIN

Le rococo fut un mouvement artistique européen du XVIIIe siècle touchant principalement l’architecture, mais également les arts décoratifs, ainsi que la peinture et, dans une moindre mesure, la musique et la littérature.

Il se développe de 1730 à 1758, principalement dans le Saint-Empire romain germanique (Allemagne, Autriche, Bohême), en Europe du Sud (Italie, Espagne, Portugal), à la suite du mouvement baroque, pour créer un style d'une grande prodigalité, particulièrement dans les églises et dans les lieux sacrés. Ce style culmine dans l'œuvre de l'architecte et décorateur bavarois d'origine flamande François de Cuvilliés, dont le pavillon d'Amalienburg (1734-1739) à Nymphenburg, près de Munich, demeure un exemple inégalé de parfaite fusion entre architecture et décoration. Ce mouvement est progressivement remplacé à partir de 1760 par le néo-classicisme, retour aux canons de l'Antiquité.!

Selon Delécluze, le terme « rococo » est inventé, vers 1797, en dérision par Pierre-Maurice Quays, élève de Jacques-Louis David, maître à penser du mouvement des Barbus et chantre d’un classicisme poussé à l’extrême. Il résulterait d’une association du mot français rocaille, qui désigne une ornementation imitant les rochers et les pierres naturelles et la forme incurvée de certains coquillages et du mot portugais baroco : « baroque ». Le terme rococo garde longtemps son aspect péjoratif avant d’être accepté par les historiens de l’art vers le milieu du XIXe siècle et d’être considéré comme un mouvement artistique européen à part entière.!

Pour Heinrich Wölfflin, c’est une nuance du baroque, mais pour Hans Sedlmayr et H. R. Hitchcock puis Philippe Minguet, le rococo est une catégorie de style autonome. Le rococo serait autant distinct du baroque qui le précède, que du néoclassicisme qui le suit.

Bien qu’à ses débuts, le rococo, dans la peinture, ne soit qu’exclusivement décoratif, des modèles figuratifs apparaissent au fil du temps. Les peintures sont caractérisées par de nombreuses couleurs pastel et des formes incurvées.

Les peintres décorent leurs tableaux d’anges chérubins et de tous les symboles de l’amour. Le portrait est aussi un style très en vogue. Certaines peintures représentent des scènes coquines et lestes pour l’époque. Ceci est en rupture avec le style baroque et ses travaux dans les églises. Les peintures évoquent souvent des scènes pastorales et des promenades de couples aristocratiques.

Jean-Antoine Watteau (1684-1721) est considéré comme le premier grand peintre rococo. Il a eu une influence sur ses contemporains : François Boucher (1703–1770) et Jean-Honoré Fragonard (1732-1806), deux maîtres de la fin de la tendance rococo en France. (SUITE SUR WIKIPEDIA)

Abbaye_Zwiefalten_Muenster  Franz Joseph Spiegler (1691–1757) peintre allemand 

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10 février 2017

DES PEINTRES DE L'ECOLE DE BARBIZON

MERCI A LUC COURT  - COROT/MILLET/ROUSSEAU/TROYON/DUPRE jules/DIAZ DE LA PENA/DAUBIGNY/JACQUES/CHAIGNEAU charles: CHAIGNEAU ferdinand/bruandet/caruelle D'ALIGNY/DUPRE victor /

L'École de Barbizon désigne le centre géographique et spirituel d'une colonie de peintres paysagistes désirant travailler « d’après nature  ». L'appellation tient son nom du village de Barbizon, situé en lisière de la forêt de Fontainebleau (Seine-et-Marne), autour duquel certains artistes peintres affluèrent pendant près de cinquante ans entre 1825 et 1875.!

Au début du XIXe siècle, les critères artistiques s'étaient fixés autour de la tradition néoclassique, dans la suite du peintre Jacques-Louis David. En marge de cet académisme, le romantisme formalisé par GéricaultBonington et Delacroix prenait de l'ampleur. Dans la tradition académique, l’observation sensible de la nature était considérée comme inférieure à l’expérience intellectuelle, et le paysage restait un genre mineur.

Des artistes comme Rousseau ou Daubigny s'inscrivirent en réaction à l'industrialisation naissante et à la pollution urbaine. Facilité par la production industrielle des couleurs favorisant une plus grande mobilité, le retour à la nature apparaît évident, la tranquillité de la contemplation prenant le dessus sur le charivari de la cité.

En 1824, le Salon de Paris exposa quelques-unes des œuvres de Constable. Ses scènes rurales eurent une influence décisive sur des artistes plus jeunes, les menant à abandonner le formalisme de l'époque et à tirer leur propre inspiration de la nature : ils produisirent des toiles souvent rurales, s'éloignant d'un retour aux drames mythologiques et s'inspirèrent de la peinture paysagiste hollandaise du XVIIe siècle et du paysage anglais contemporain.

Au cours de la révolution de 1848, les peintres que l'on rassemblerait bientôt sous l'école de Barbizon ou l'école de Crozant se réunirent et optèrent de suivre délibérément les préceptes de John Constable, afin de rendre la nature elle-même sujet de leurs peintures. Parmi eux, t étendit sa vision des paysages aux personnages, peignant la paysannerie et les travaux des champs. Des Glaneuses (1857) en est un parfait exemple, montrant trois paysannes occupées à glaner après la récolte, sans mise en scène dramatique ni démonstration, mais simplement une évocation de la vie simple, par exemple Albert Charpin (1842 Grasse - 1924 Asnières) qui a peint de nombreux paysages, troupeaux ovins et bovins.

En 1849, le développement des transports avec l'aménagement de la ligne de chemin de fer qui relie Paris à Melun, favorisa la venue des artistes et des touristes!   Rousseau (1867) et Millet (1875) moururent à Barbizon.

La peinture de Barbizon a été l'une des sources d'inspiration de nombreux peintres comme Hippolyte Camille Delpy, et particulièrement les peintres impressionnistes. L'émergence du courant impressionniste dans la seconde moitié du XIXe découle d'ailleurs en partie de l'influence exercée par les peintres de l'école de Barbizon.

Il faut attendre 1890 pour voir le terme d'« école de Barbizon » apparaître, dans l'ouvrage du critique d'art écossais David Croal Thomson intitulé : The Barbizon School of Painters. Depuis, ce terme est remis en cause par les historiens de l'art qui contestent l'idée qu'il y aurait eu une « école » à Barbizon. On aurait plus affaire à un ensemble de peintres aux styles très différents, qui, à des époques très diverses, ont trouvé une source d'inspiration dans la forêt de Fontainebleau.

Lieu de séjour de la plupart des peintres passés à Barbizon entre 1830 et 1870, l’Auberge Ganne a été rachetée par la commune et renferme depuis 1995 le musée de l'École de Barbizon!

                        barbizon LES PEINTRES 

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