LE BLOG DE FANFG

17 avril 2018

VOL AU DESSUS D'UN NID DE COUCOU - 1975 MILOS FORMAN

MERCI A  PopCast - TRES BONNE ANALYSE !!   HOMMAGE A MILOS FORMAN

Jan Tomáš Forman, né le 18 février 1932 à Čáslav (Tchécoslovaquie) et mort le 13 avril 2018 à Danbury (ConnecticutÉtats-Unis), connu sous le nom de Miloš Forman, est un réalisateur américain d'origine tchécoslovaque, également scénariste et professeur de cinéma.

Il est notamment le réalisateur des films Vol au-dessus d'un nid de coucouHair, et Amadeus

Miloš Forman naît à Čáslav dans l'ancienne Tchécoslovaquie. Il devient orphelin après la déportation et la mort de ses parents à Auschwitz : son père a participé à la résistance tchèque contre l'occupant allemand, et sa mère est arrêtée pour avoir participé à des affaires illégales dans une épicerie.

Il est élevé avec ses frères par le reste de sa famille. Après quelques études à l'université publique de Poděbrady (qui a, entre autres, compté parmi ses étudiants Václav Havel), il entre à l'école du cinéma de Prague, la FAMU. Il y réalise plusieurs courts métrages, et se lance ensuite dans la mise en scène de comédies. Son premier long métrage, L'As de pique (1963), le fait connaître au-delà des frontières de son pays. Ses œuvres tchécoslovaques (Les Amours d'une blondeAu feu, les pompiers !), auxquelles il donne une couleur de satire sociale, rompent avec le ton conformiste et l'académisme des productions communistes de l'époque.

En 1968, la répression du Printemps de Prague l'oblige à émigrer. Lors des événements, il se trouve à Paris pour négocier les termes du contrat de son premier film américain. Sa société de production tchécoslovaque le licencie directement, prétextant qu'il est sorti illégalement du territoire.

Il s'établit ensuite à l'hôtel Chelsea de New York. Il devient plus tard professeur de cinéma à l'université Columbia, où il a notamment pour étudiants Kathryn BigelowMartin BrossolletYves LavandierNtshavheni Wa Luruli et James Mangold, son protégé.  En 1977, il est naturalisé américain.!!

                                  vol_coucou

En 1979, il change de genre en dévoilant la version cinématographique de la comédie musicale culte de BroadwayHair.

 

                  Hair

 

 

Puis en 1981, il dévoile une vaste fresque sur l'Amérique du tout début du XXe siècle : Ragtime.

En 1985, il remporte de nouveau l'Oscar du meilleur réalisateur pour l'adaptation de la pièce de Peter Shaffer sur la vie de Mozart vue par Salieri, le fastueux Amadeus, qu'il a en partie tourné à Prague.

        AMADEUS

Les années 1980 se concluent sur Valmont (1989), sa variation sur les Liaisons dangereuses de Choderlos de Laclos écrite par Jean-Claude Carrière. Mais le film sort neuf mois après l'autre adaptation de l'année des Liaisons dangereuses, celle de Stephen Frears et Christopher Hampton et qui avait été un grand succès. Du coup, et en comparaison, la version de Miloš Forman est un retentissant échec public et critique.

En 2005, le festival International du film Entrevues à Belfort lui consacre une rétrospective. En septembre 2017, la Cinémathèque française lui consacre une rétrospective.!!

 

 

 

 

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15 avril 2018

MARGATE'S SHELL GROTTO - ANGLETERRE

MERCI A  BusheyTales  - Musique : "Buffalo Demon" de Alog

La Shell Grotto, la grotte aux coquillages, est un passage souterrain incurvé orné de coquillages. Elle est située à Margate, dans le Kent. Presque toute la surface des murs et du toit est recouverte de mosaïques entièrement créées avec des coquillages, totalisant environ 190 mètres², soit environ 4,6 millions de coquillages. Elle a été découverte en 1835 mais son âge et son but restent inconnus. La grotte a le grade I des Monuments classés et est ouverte au public.

Les récits sur l'histoire de la grotte sont contradictoires, bien que la plupart s'accordent sur la date de 1835 où James Newlove et son fils en creusant une mare pour les canards auraient fait la découverte. La première référence à la Shell Groto paraît dans un article de la Gazette du Kentish du 22 mai 1838, annonçant sa prochaine ouverture comme attraction pour le public! Elle est demeurée une propriété privée depuis sa découverte.

En 1932, un nouveau propriétaire a repris la Grotte. Il remplace l'éclairage au gaz, qui, au cours des quatre-vingt dix années précédentes, a noirci la surface des coquillages colorés, par un éclairage électrique. Des essais de nettoyage montrent que, en majorité, les coquilles ont perdu leur couleur sous la saleté et sont de couleur blanche. La structure a également subi les effets de la pénétration de l'eau, mais a été retiré de la liste des bâtiments en péril en 2012 à la suite d'un programme de conservation de cinq ans, mené en partenariat avec English Heritage. Un plan de remplacement des mosaïques endommagées - le projet Cocarde - a été lancé en 2012.

Les Amis de la Grotto Shell constituée en 2008 est une association sans but lucratif créé pour promouvoir, conserver et préserver la grotte comme un monument historique unique. Un musée, attaché à la grotte, comprend un magasin de souvenirs et un café!!

                                      Shell_Grotto_Margate_

La Shell Grotto se compose d'un passage souterrain, d'environ 2,4 mètres de haut et 21 mètres de longueur, se terminant par une salle rectangulaire, dénommée la chambre de l'Autel et mesurant environ 5 x 6 mètres.

La cavité est entièrement souterraine. Des marches grossièrement taillées dans la craie à l'extrémité supérieure conduisent à un passage d'environ 1,07 mètres de large, qui serpente dans la roche jusqu'à atteindre une arche. À partir de là, les murs et le toit sont couverts d'une mosaïque constituée de coquillages. L'arche mène à une colonne centrale circulaire, nommée la Rotonde, rejoignant l'autre côté du Dôme - une arborescence augmentant la surface, permettant une certaine lumière du jour dans la structure. Le plan du soubassement de la coupole est triangulaire, équilatéral, avec une arche au centre, de chaque côté. Les deux arches sur les côtés sont celles qui mènent à la Rotonde, tandis que l'arche à la base mène au Passage Sinueux. Ce passage, aux murs et aux voutes incurvés courbes est riche en mosaïques de conception variée. À la fin du Passage Sinueux, une arche conduit à la Chambre Rectangulaire. La décoration prend un caractère plus formel et géométrique, mais toujours finement dessiné et exécuté. Les sujets sont les étoiles et le soleil principalement. Le point focal, l'«autel» est la niche en forme d'arc de cercle qui fait face à l'arche d'entrée.

Le but de la structure est inconnu, et diverses théories ont daté sa construction à tout moment dans les 3 000 dernières années, si ce n'est plus : folie d'un homme riche au XVIIIe ou XIXe siècle, calendrier astronomique préhistorique, création des Templiers, des franc-maçons, construction des Phéniciens, des Pythagoriciens / cabalistes orientaux, édifice funéraire construit par anciens Crétois, civilisation mexicaine qui vivait voici environ 12.000 ans... et cela continue. MYSTERE!!!!!!!!

Les coquillages les plus fréquemment utilisés tout au long de la mosaïque - moules, coques, bulots, patelles, pétoncles et huîtres - sont en grande partie locaux. Ils auraient été trouvés en nombre suffisant à partir de quatre baies possibles : Walpole Bay en Cliftonville, Pegwell Bay, surtout à Shellness Point, Cliffsend, près de Richborough, Sandwich Bay, Shellness et sur l'île de Sheppey. La majorité de la mosaïque est formée à partir de bigorneau plat, qui est utilisé pour créer le remplissage de fond entre les créations. Toutefois, ce coquillage ne se trouve que rarement au niveau local, de sorte qu'il aurait été ramassé près des rives ouest de Southampton, où il est abondant.

Le liant permettant de faire tenir les coquillages à la paroi et entre eux est une colle à base de poisson. Un musée, attaché à la grotte, comprend un magasin de souvenirs et un café!!

plan_grotte

Margate est une des stations balnéaires anglaises les plus populaires depuis presque 250 ans. Tout comme sa voisine, Ramsgate, c'est une destination de vacances prisée des Londoniens qui apprécient ses plages de sable fin.

Au XVIIIe siècle, Margate était encore, selon Edward Hasted, « une pauvre ville de pêcheurs »1, mais en 1810, il décrit le littoral en ces termes : « il était [...] bien adapté à la baignade, avec des plages du sable le plus fin qui soit s'étendant d'un seul tenant sur plusieurs kilomètres de part et d'autre du port [...] près duquel on trouve plusieurs lieux aménagés pour la baignade : les baigneurs entrent par une porte dans une cabine mobile qui les conduit à la profondeur souhaitée, et sortent de l'autre côté pour descendre quelques marches qui les amènent dans la mer. Un auvent de toile les dissimule aux yeux du public. Plus d'une quarantaine de ces machines sont fréquemment utilisées. »

L'histoire de la ville est étroitement liée à la mer et elle est fière de sa tradition maritime. Le souvenir des marins héroïques de la chaloupe de sauvetage Friend to all Nations et son naufrage pendant la tempête de 1897 a marqué à jamais l'histoire de Margate. (SUITE WIKIPEDIA)

 

 

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12 avril 2018

FILM - ANTICIPATION " SOLEIL VERT " 1973

A VOIR OU REVOIR !!!!!!!!!! POUR FAIRE REFLECHIR !!!

F. Gauthier   -   Soylent Green~ -  scène pastorale -    EUTHANASIE

Clip éducationnel - La scène se déroule dans un centre ultramoderne. On étend le patient sur un lit dans une salle à l'aspect froid, hautement technologique (pour 1973!), totalement artificielle, où sont projetés des films sur la campagne, la mer, les oiseaux et les fleurs!

À part la musique originale du compositeur Fred Myrow entendue durant la préparation de Sol, avant la projection des films, le réalisateur utilise les extraits de la symphonie pastorale de Beethoven, Peer Gynt et Morning Mood de Grieg, et la symphonie no 6, dite pathétique, de Tchaikovsky, tout cela en un montage de quelques minutes seulement, pendant le visionnement des images naturelles. Tout juste le temps que Sol fasse ses adieux à Thorn, qui l'accompagne de l'autre côté de la fenêtre en contemplant, remplit d'émotions, une nature qu'il n'avait jamais vue. Adieu aussi à une humanité visiblement déshumanisée par sa séparation d'avec les beautés de la nature dont elle n'a qu'une mémoire archivée, aseptisée et rigoureusement contrôlée, à l'image de cet idéalisme que représente le genre pastoral. Voilà une scène efficace, côté symbolique!

Edward G. Robinson était totalement sourd quand il a fait le film, ce qui occasionna plusieurs problèmes durant le tournage. Ce fut sa dernière apparition à l'écran ; cruelle ironie, alors qu'il interprète cette terrible scène d'euthanasie, il est déjà très malade. Atteint de cancer, il meurt peu de temps après la fin du tournage (le 26 janvier 1973). Charlton Heston a déclaré plus tard qu'il pleure vraiment dans la scène où Thorn découvre qu'il ne peut plus arrêter le suicide de Sol. En fait, il était le seul à savoir sur le plateau de tournage que Robinson était réellement en train de mourir du cancer.

 "Soleil vert" (Soylent Green) est un film américain d'anticipation réalisé par Richard Fleischer, sorti en 1973 et inspiré du roman Make room! Make room!d'Harry Harrison.

                                          affiche

Soylent green est adapté d'un roman peu connu de Harry Harrison, publié en 1966Make room! Make room!, (en français : « Dégagez, faites de la place ! » ; voir Soleil vert, le roman) qui décrit un New York surpeuplé où s'entassent des millions de chômeurs, où les automobiles ne roulent plus et où règnent le rationnement et la violence. Seule une classe de riches privilégiés profite des maigres ressources encore disponibles. L'action se situe non pas en 2022, mais en 1999. Cette dernière date, en 1966, paraissait assez crédible.!! ET EN 2018?????????

                        livre_soleil_vert

Soleil vert, comme Fahrenheit 451Alphaville2001, l'Odyssée de l'espaceOrange mécaniqueLa Planète des singes (film, 1968) ou THX 1138, fait partie de ces films d'anticipation de la décennie 1965-1975, des films très écrits et référencés, se voulant prophétiques, habités par l'angoisse d'un avenir lourd de menaces, en l'occurrence ici la surpopulation et l'épuisement des ressources naturellesSoleil vert est devenu un classique du genre et l'un des films d'anticipation les plus sombres jamais réalisés. Le contexte politique, social et culturel explique sans doute l'émergence d'un tel film : depuis 1965, la contre-culture américaine fait de la protection de l’environnement l'un de ses piliers ; par ailleurs, de nombreux essais sont parus, mettant en garde contre l'accroissement exponentiel de la population terrestre et la nécessité de contrôler les naissances.

Le titre anglais original Soylent Green, bizarrement traduit pour le marché français par « Soleil vert » (peut-être un écho de greenhouse effecteffet de serre ?), est le nom d'une multinationale imaginaire, la « Soylent Company », géant agro-alimentaire produisant des tablettes de protéines vitaminées fades, métaphore répugnante d'un progrès sans joie. Elle vient, au début du film, de lancer un nouvel « alicament », le « Soylent green », censé être à base de planctons.

Edward G. Robinson était totalement sourd quand il a fait le film, ce qui occasionna plusieurs problèmes durant le tournage. Ce fut sa dernière apparition à l'écran ; cruelle ironie, alors qu'il interprète cette terrible scène d'euthanasie, il est déjà très malade. Atteint de cancer, il meurt peu de temps après la fin du tournage (le 26 janvier 1973). Charlton Heston a déclaré plus tard qu'il pleure vraiment dans la scène où Thorn découvre qu'il ne peut plus arrêter le suicide de Sol. En fait, il était le seul à savoir sur le plateau de tournage que Robinson était réellement en train de mourir du cancer.

 

 

 

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10 avril 2018

HUBERT ROBERT - LE PEINTRE DES RUINES

MERCI A  Jean Mineraud  -   Connu pour ses tableaux de ruines, réelles ou imaginaires, Hubert Robert est l’un des grands peintres du XVIIIe siècle. Hubert Robert (1733-1808) resta plus de dix ans en Italie, où il fit la connaissance de Jean Honoré Fragonard et de l’abbé de Saint-Non, avec lesquels il parcourut le pays, faisant de multiples croquis à la sanguine et à l’aquarelle, dont il s’inspira ensuite toute sa vie. Après une carrière pourtant glorieuse, célébrée par le philosophe Denis Diderot, Hubert Robert mourut un peu oublié, mais l’exposition « Un peintre visionnaire », organisée par le musée du Louvre en 2016, a redonné à ce grand artiste du siècle des Lumières la place qu’il méritait.

Hubert Robert, (né le 22 mai 1733, à Paris - mort le 15 avril 1808, dans la même ville) fut un des principaux artistes français du XVIIIe siècle qui s’illustra notamment comme dessinateurpeintregraveur, professeur de dessin, créateur de jardins et conservateur au Muséum central des arts de la République, futur Musée du Louvre.

                               portrait_d_hubert_robert_par_elisabeth_vigee_le_brun_1788_5551151

                              Portrait réalisé par Élisabeth Louise Vigée Le Brun 

EXPOSITION LOUVRE 2016 Communiqué de presse Exposition 9 mars - 30 mai 2016 Hall Napoléon Hubert Robert (1733-1808)

Hubert Robert (1733-1808) Un peintre visionnaire Bien plus que le peintre de ruines et de paysages dont la postérité a gardé l’image, Hubert Robert fut surtout l’un des plus grands créateurs d’imaginaire poétique du XVIIIe siècle. Cette dimension est au cœur de l’exposition monographique ─ la première depuis 1933 ─ que le musée du Louvre et la National Gallery of Art de Washington ont décidé de lui consacrer. Cette rétrospective rend compte de la brillante diversité et de la féconde curiosité de cet artiste inspiré et aimable, tout à la fois peintrephilosophe, paysagiste, architecte, maître d'œuvre, personnage officiel, un peu poète et historien aussi. En s’appuyant sur les riches collections des départements des Peintures et des Arts Graphiques du musée du Louvre, l’exposition réunit un ensemble exceptionnel et varié de 140 œuvres (dessins, peintures, esquisses peintes, gravures, peintures monumentales, ensembles décoratifs et mobilier). Elle est rendue possible par la participation des plus grands fonds patrimoniaux français et étrangers conservant des œuvres de l’artiste : des prêts généreux proviennent ainsi des États-Unis et de Russie et aussi du musée Carnavalet ou du musée des Beaux-Arts de Valence, qui conserve sans doute la plus belle collection de dessins d’Hubert Robert. Spirituel, sociable et esprit sans cesse en quête de nouveaux espaces d’investigations, en bref, véritable homme des Lumières, Hubert Robert entreprit un remarquable itinéraire d’artiste qui le conduisit de Rome au milieu du XVIIIe siècle jusqu’à la cour de France dont il réalisa certains des plus spectaculaires décors dans la décennie brillante qui précéda la Révolution. Mémorialiste de Paris et de l’histoire tumultueuse qui bouleversa la fin du siècle, il acheva sa brillante carrière en conservateur attentif et engagé du tout récent Muséum central des arts, le futur musée du Louvre. Esprit visionnaire, cet artiste à l’œuvre tout à la fois éclectique et profondément cohérent embrassa les genres distincts du paysage poétique, vues urbaines à la topographie inventive souvent proche du caprice architectural, des études archéologiques, des réalisations, remarquables et novatrices, dans le domaine des jardins paysagers (à Versailles ou à Méréville), ainsi que des décors palatiaux (à Bagatelle, à Rambouillet et jusqu’en Russie). Sur sa route, il a rencontré certains des plus grands créateurs de son siècle tels Pannini, Piranèse ou Denis Diderot, de grands architectes novateurs, mais aussi Fragonard, Elisabeth Vigée-Lebrun et Jacques-Louis David. La riche production de ce créateur prolifique s’incarne dans l’exposition par la présentation de nombreux dessins – notamment ses merveilleuses sanguines (musée des Beaux-Arts de Valence), des esquisses peintes, des gravures, des caprices architecturaux ou archéologiques, des grandes peintures monumentales, des ensembles décoratifs (par exemple, la célèbre série des Antiquités de la France peinte pour le château de Fontainebleau, aujourd'hui au Louvre) mais aussi des représentations des grands jardins paysagers conçus par l’artiste et enfin des pièces de mobilier uniques dessinées par Robert pour la reine Marie-Antoinette (mobilier de la laiterie de Rambouillet). !!

Commissaire de l’exposition : Guillaume Faroult, conservateur en chef du Patrimoine, département des Peintures, musée du Louvre.

hubert_robert Ruines de Nîmes 

 

 

 

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08 avril 2018

GERARD DUBOIS - PEINTRE HYPERREALISTE

Montage vidéo des tableaux peints par Gérard Dubois par Pascal Lionnet. IMPRESSIONNANTE LECTURE!!!

http://www.dubois-gerard.com/

Je suis né en 1954 au Maroc. Dés mon plus jeune âge le dessin devient ma passion. Intégré dans une école maternelle pilote en Ardèche, je participe en 1958 à une exposition de dessins d'enfants à Budapest grâce à la perspicacité de mon institutrice. Tout au long de ma scolarité il devient évident pour mon entourage que les études ne seront jamais ma passion. 

Dessiner par contre, est ma préoccupation de tous les instants. Mes camarades de classe ainsi que les enseignants sont mes modèles favoris. Le dessin au crayon est ma première approche de ce qui allait devenir plus tard mon métier: la peinture. 

Ma rencontre, en 1971 à l'âge de 16 ans, de Pierre Jean Chaffrey est déterminante: je serai peintre! Je ne me doute pas, par contre, que celui-ci va devenir mon maître pendant 26 ans. 

                                                    gerard_dubois__ATELIER

Bernard Gouttenoir : Gérard Dubois, un travail de titan pour la mise en scène de l’œuf

                                   oeuf_dubois L’œuf autoportrait mis en échec par ses semblables.    Le Progrès Novembre 1997

 Gérard Dubois est devenu maître d’un art dont les tenants et les aboutissants oscillent entre la perfection picturale et l’application de méthodes qui ont fait leurs preuves chez d’autres, comme Chardin jadis et Poirier aujourd’hui.On ne peut pas, sous prétexte que cette forme de peinture alimentée par une technique prodigieuse et une patience exemplaire, nier son existence. Et tant pis si l’histoire ne retient pas cette famille qui jette le trouble sur  l’époque et la façon dont est amené le tableau.

Un œuf peint par Dubois ( ou par les peintres de la réalité ou par ceux du trompe-l’œil ) est quasiment le même que celui peint au fil des siècles, sauf que le peintre aujourd’hui a revu la mise en scène du tableau, il a bousculé l’œuf, le rend objet sur l’échiquier, lui donne la parole, lui offre un rôle de plus.

 

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06 avril 2018

PIERRE SILVESTRIN DIT "QUINQUIN" AVRIL 2017

UN TALENT CERTAIN AUQUEL IL FAUT S'ATTARDER!!!!!!!

Pierre Silvestrin | Facebook    :   https://www.facebook.com/pierre.silvestrin.9

retraité depuis avril 2011. mon but: continuer à me et "vous" faire plaisir.  ( 27 )est le nombre d"oeuvres" exposées au 18 05 2001 en vente . suivant vos commentaires, bon ou non, je continu. Mon nom "d'artiste" QUINQUIN

silvestrin pierre - Artiste - Weoneart   :   www.galerie-com.com/artiste/silvestrin-pierre/7813/

 quinquin Une formation de peintre en bâtiment des l'age de 14 ans, artisan durant 33 ans "métier choisi" et qui ma amené vers la décoration et l'art. Autodidacte dans ce domaine, j'aime faire varier mon travail avec divers matériaux peinture, plâtre, terre...Pour ne pas m'enfermer dans un seul monde. je précise Pendant les vacances d'été, à douze ans je commencé à pétrir chez un boulanger!!!!

quinquin_journal      quinquin_89_cannes

                                 elephant_quinquin

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04 avril 2018

PEINTRES DE RUSSIE - LES AMBULANTS

UN CLIN D'OEIL A NADEZDA ET JOHALA

MERCI A  Mikaelle Brumik - MUSIQUE : Piotr Ilitch Tchaïkovski ou Tchaïkovsky fut est un compositeur russe de l’époque romantique né le 7 mai (25 avril) 1840 à Votkinsk et mort le 6 novembre (25 octobre) 1893 à Saint-Pétersbourg.!

Les Ambulants ou Itinérants  est le terme donné au mouvement réaliste apparu en Russie en 1863  au moment de la création des premiers zemstvos et qui perdurera jusqu’aux années 1923 en réaction contre l'enseignement, les sujets et les méthodes de l'Académie impériale des beaux-arts de Saint-Pétersbourg. C'est le premier groupement de peintres réalistes russes de la seconde moitié du XIXe siècle et du début du XXe siècle.

Les peintres ambulants pratiquaient essentiellement une peinture de genre à caractère social ou historique, ainsi que le portrait, le paysage russe et un peu de natures mortes.

C'est sous la forme de l'Artel des artistes fondé par Ivan Kramskoï que débuta ce mouvement en 1863. Un groupe de quatorze étudiants quitte l'Académie impériale des beaux-arts, trouvant ses règles trop contraignantes, et les professeurs trop conservateurs. L'artel deviendra la Société des expositions artistiques ambulantes en 1870.

 La Société des expositions itinérantes, ou Peredvizhniki, est un mouvement artistique russe contestant contre l'art académique russe qui ne s'intéressait qu'à Moscou et St-Petersbourg. Les artistes Itinérants ont ainsi organisé des expositions nomades pour amener l'art en province en Russie à partir de 1870, de Kiev a Riga. Leur style et leurs idéaux suivent de près les tendances de la littérature russe du 19ème (Dostoevsky etc.) et leur esthétique est assez largement dictée par l'artiste le plus connu du mouvement, Ilya Repin.

A mi-chemin entre le réalisme et le symbolisme, les Itinérants s'illustrent dans plusieurs genres:Le naturalisme: Les Itinérants peignaient des scènes de la vie quotidienne russe avec beaucoup de détails naturalistes, mais aussi une dimension dramatique qu'on trouve moins dans le réalisme plus occidental.

Le folklore russe: En s'inspirant de la littérature, beaucoup des Itinérants ont illustré des scènes de légende ou de folklore de russie ou d'Europe de l'Est en gardant une esthétique réaliste.Le paysage Le genre dominant des Itinérants était bien entendu le paysage, puisque leur vie de voyages leur permettait de voir et de peindre toute la Russie.

le naturalisme, le symbolisme et l’impressionnisme semblent s'être invités en même temps en Russie avec la naissance des expos des Itinérants. Leur esthétique est intéressante! Celui qui peut le plus inspirer en illustration est sûrement Ilya Repin, mais il y a des choses à apprendre chez tous les autres

La place donnée à des thèmes religieux par des artistes pour partie proches de révolutionnaires peut surprendre. Mais le christianisme orthodoxe a marqué profondément l'intelligentsia russe. Selon Nicolas Berdiaev, le russe reste fidèle à sa religion dans sa révolte même. Kramskoï, Gay, Répine, chefs de file des ambulants, exprimaient leur sensibilité religieuse. Le Christ qu'ils vont représenter n'est plus un Christ en majesté, le Christ Pantocrator des icônes, mais un homme accablé de douleur, trahi, bafoué !!

Les Ambulants voulaient tous apporter un souffle nouveau à l'art sacré. Selon Valentine Marcadé, leur interprétation manquait de grandeur, d'envergure et de capacité à rendre la beauté mystique!!  (SUITE SUR WIKIPEDIA).

peintres_ambulants Membres des ambulants en 1886. Assis, de gauche à droite : Sergueï AmmossovAlexandre KisseliovNikolaï NevrevVladimir MakovskiAlexandre LitovtchenkoIllarion PrianichnikovKirill LemokhIvan KramskoïIlia Répine, Ivanov, employés des Ambulants, Nikolaï Makovski. Debout, de gauche à droite: Grigori MiassoïedovConstantin SavitskiVassili PolenovIefim VolkovVassili SourikovIvan ChichkineNikolaï IarochenkoPavel BrioullovAlexandre Beggrov.

 

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02 avril 2018

FILM : PIERRE LAPIN 2018

FilmSelect France   Date de Sortie: 4 Avril 2018

Pierre Lapin (Peter Rabbit) est une comédie américano-australienne, écrite et réalisée par Will Gluck qui mêle animation et prises de vues réelles, sortie en 2018.

Il s'agit d'une adaptation des aventures de Pierre Lapin, écrites par l'auteure anglaise Beatrix Potter.

Synopsis : Pierre et ses amis aiment tout particulièrement se nourrir des légumes du jardin appartenant au vieil homme habitant près de leur terrier. Lorsque ce dernier décède, Thomas, un jeune homme vivant à Londres, hérite de sa maison. Il n'apprécie pas beaucoup les lapins à l'inverse de sa voisine avec laquelle il fait connaissance. Pierre, n'appréciant que très peu devoir partager son amie, va tenter par tous les moyens de faire fuir le nouvel arrivant.

pierrelapin

Pierre Lapin (The Tale of Peter Rabbit) est un livre pour enfants écrit et illustré par l'écrivaine anglaise Beatrix Potter, paru en octobre 1902, et que l'on peut compter parmi les précurseurs de la fantasy animalière.

L'histoire relate les aventures de Pierre Lapin, un jeune lapin facétieux et désobéissant, qui s'aventure dans le jardin de M. McGregor.

The Tale of Peter Rabbit avait été initialement écrit pour un enfant de cinq ans, Noel Moore, en 1893, puis fut corrigé, imprimé à compte d'auteur par Potter en 1901 après avoir été refusé par plusieurs éditeurs, et finalement imprimé de façon professionnelle chez Frederick Warne & Co. en 1902.

Le livre fut un succès, qui donna lieu à de nombreuses réimpressions les années suivantes. Avec 45 millions d'exemplaires vendus, c'est l'un des plus grands best-sellers de tous les temps. La filiale de Warne à New York n'étant pas parvenue à enregistrer le copyright pour le livre aux États-Unis, des éditions pirates inondèrent le marché sans que Potter ne perçoive de droits d'auteur. Le Conte de Pierre Lapin a été traduit dans 36 langues, et le livre a servi de base à de nombreux produits dérivés au fil des décennies, incluant des jouets, de la vaisselle, des aliments, des vêtements, des vidéos et d'autres produits encore. Potter elle-même contribua à cette tendance : elle breveta une poupée Pierre Lapin en 1903, qu'elle fit suivre presque aussitôt d'un jeu de plateau Pierre Lapin.

En créant un héros d'histoire pour enfants qui n'était qu'un petit lapin désobéissant et rebelle, Potter subvertissait la représentation alors commune du bon petit garçon et du héros typiquement représenté comme un homme blanc, jeune, courageux et plein de ressources.

En France, The Tale of Peter Rabbit a été traduit sous le titre "Pierre Lapin." !!

Peter_Rabbit_first_edition_1902    PREMIERE EDITION 1902

PIERRE_LAPIN   PIERRE LAPIN EN FRANCAIS

 

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27 mars 2018

ODILON REDON - LES FLEURS

MERCI A Bruce Bethany !!  IL AIMAIT AUSSI LES FLEURS!!!

Odilon Redon, né Bertrand Jean Redon le 20 avril 1840 à Bordeaux, et mort le 6 juillet 1916 à Paris fut un peintre et graveur symboliste de la fin du XIXe siècle. Son art explore les aspects de la pensée, l'aspect sombre et ésotérique de l'âme humaine, empreinte des mécanismes du rêve.!

                                                la_fleur_en_peinture_odilon_redon

" Mon régime le plus fécond, le plus nécessaire à mon expansion a été, je l'ai dit souvent, de copier directement le réel en reproduisant attentivement des objets de la nature extérieure en ce qu'elle a de plus menu, de plus particulier accidentel. Après un effort pour copier minutieusement un caillou, un brin d'herbe, une main, un profil ou toute autre chose de la vie courante ou inorganique, je sens une ébullition mentale venir ; j'ai alors besoin de créer, de me laisser aller à la représentation de l'imaginaire. "
                                                                                                 
                                                                                                Odilon RedonA soi-même

                                   odilon_redon

 

 

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25 mars 2018

LE PASTEL - DE DEGAS A REDON

L'ART DU PASTEL -  MERCI A Valerie Domé   Rare exposition sur l'art du Pastel, au petit Palais. (PARIS) Des couleurs exceptionnelles, avec un aspect poudré, velouté, et lumineux.

L'art du pastel de Degas à Redon au Petit Palais, musée des Beaux-Arts de la Ville de Paris du 15 septembre 2017 au 08 avril 2018

Plus d'information : http://www.petitpalais.paris.fr/expos...

                                               
                              Portrait de Louis XV au pastel par Quentin de La Tour.
Le pastel est un bâtonnet de couleur utilisé en dessin et en peinture. Il est composé de pigments, d'une charge et d'un liant. On distingue les pastels secs (tendres ou durs) des pastels gras (à l'huile ou à la cire).

Le pastel a vraisemblablement été inventé en France et en Italie à la fin du XVe siècle et a été utilisé par Léonard de Vinci grâce à l'impulsion de Jean Perréal.

Le pastel est très prisé dès le XVIIe siècle, où ses couleurs franches et son aptitude à imiter fidèlement les tissus, les textures et les lumières le rendent indissociable de l'art du portrait. Il est utilisé par de nombreux peintres comme Rosalba CarrieraCharles Le BrunRobert Nanteuil ou Joseph Vivien.

Au XVIIIe siècle, le pastel connaît son âge d'or. Il est notamment utilisé par Maurice Quentin de La Tour, le 'prince des pastellistes', qui met au point une méthode de fixation du pastel aujourd'hui disparue. Jean Siméon ChardinJean-Baptiste PerronneauJean-Étienne Liotard ou encore Jean-Martial Frédou explorent d'autres voies. Le pastel, symbole de la grâce de l'Ancien régime, tombe en désuétude peu après la Révolution au profit du néo-classicisme et de la peinture à l'huile.

Il continuera cependant à être utilisé et poursuivra son évolution grâce aux impressionnistes, à Edgar Degas et Toulouse-Lautrec et aux nabis (Édouard Vuillard), connaissant ensuite une véritable renaissance dans les années 1890 avec le mouvement symboliste, sa technique subtile étant propice à l'expression des préoccupations de ces artistes en quête de mystère. On peut citer Lucien Lévy-Dhurmer, l'un des meilleurs pastellistes de la fin du XIXe siècle, Émile-René Ménard, Edmond Aman-Jean, Jeanne Jacquemin mais aussi l'inclassable Odilon Redon. Au début du XXe siècle, Simon Bussy s'illustre dans l'art animalier.

Au milieu de XXe siècle la technique du pastel à pratiquement disparu. A partir des années 1965 -1970 Pierre Risch décide de relancer le pastel en organisant des expositions didactiques et conférences s'adressant à un large public. Il collabore avec le fabricant JM.Paillard et Lamberty à la mise au point d'une nouvelle gamme de pastels secs. Avec ténacité et au fil des années, Pierre Risch réussit à susciter un nouvel engouement pour le pastel auprès d'une nouvelle génération d'artistes contemporains.

En 1986, dans un "éloge du pastel", publié dans Considération sur l'état des Beaux-Arts, l'historien de l'art et polémiste Jean Clair demande un retour à la pratique de cette technique particulièrement virtuose et subtile en opposition à ce qu'il considère comme une certaine facilité de la peinture contemporaine.  (SUITE SUR WIKIPEDIA)

                          Art_Pastel_Degas_Redon_Art_Graphique_

 

 

 

 

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