LE BLOG DE FANFG

19 juin 2019

CHAÏM SOUTINE

MERCI A Abstract RocketX - MUSIQUE : Music:SIBELIUS - Concerto in D Minor for Violin and Orchestra, Op. 47 III. Allegro ma non tanto - London Philharmonic Orchestra - Artiste : Jascha Heifetz, violon 

Chaïm Soutine (en russe : Хаим Соломонович СутинKhaïm Solomonovitch Sutin ; en yiddish : חײם סוטיןḤaïm Soutin) fut un peintre juif russe émigré en France, né en 1893 ou 1894 dans le village de Smilovitchi, à cette époque dans l'Empire russe, et mort à Paris le 9 août 1943.

                       soutine6

Il semble qu'il ait eu une enfance difficile dans les ghettos de l'ancienne Russie mais sa vie est mal connue avant son arrivée à Paris, probablement en 1912. Souvent décrit comme très timide voire insociable, il traverse plusieurs années de misère parmi la bohème de Montparnasse, la reconnaissance n'arrivant que dans les années 1920, après sa « découverte » par le collectionneur américain Albert Barnes.

Soutine a toujours entretenu des relations compliquées avec ses mécènes ainsi qu'avec l'idée même de succès ou de fortune. Quoique très tôt miné par l'ulcère à l'estomac qui devait l'emporter, il a peint énormément, habité par une énergie étonnante. Son exigence l'a conduit en revanche à détruire beaucoup de ses œuvres. Les quelque cinq cents tableaux dont l'authenticité a été établie sont le plus souvent signés mais jamais datés.

Soutine, qui s'est très peu exprimé sur ses conceptions picturales, est l'un des peintres rattachés habituellement, avec Chagall ou Modigliani, à ce qu'il est convenu d'appeler l'École de Paris. Il se tenait cependant à l'écart de tout mouvement et a développé en solitaire sa technique et sa vision du monde. Tout en se référant volontiers aux grands maîtres, à commencer par Rembrandt, et en se cantonnant à trois genres canoniques de la peinture figurative — portraitspaysagesnatures mortes —, il a créé une œuvre singulière, difficilement classable.

D'une palette vive et contrastée, violente même, qui peut rappeler celle d'Edvard Munch ou d'Emil Nolde, émergent des formes convulsives, des lignes tourmentées jusqu'à la déformation du sujet, suscitant une ambiance dramatique. Mais les toiles de Soutine se signalent plus encore par un travail en épaisseur qui pousse toujours plus loin l'expérience de la peinture en tant que matière, dans le sillage d'un Van Gogh et ouvrant la voie aux expériences artistiques de la seconde moitié du XXe siècle.

Les couleurs flamboyantes et l'aspect torturé de ses œuvres les ont souvent fait rapprocher de l'expressionnisme, bien qu'elles soient déliées de leur époque et ne traduisent aucun engagement. Dans les années 1950, les expressionnistes abstraits de l'École de New York reconnaissent en Soutine un précurseur.

Dans cette œuvre à l'esthétique déroutante, certains commentateurs ont voulu voir le miroir de la personnalité de son auteur, dont la vie — avec ses zones d'ombre et même ses légendes — se prêtait à revivifier le mythe de l'artiste maudit : il s'agissait d'expliquer la manière du peintre par sa maladie, ses inhibitions, ses difficultés matérielles ou d'intégration sociale, voire une forme de folie.

Mais un tel lien de cause à effet n'a rien d'évident. Si on peut déceler une influence de ses origines et de son vécu, ce serait plutôt sur le rapport de Soutine à la peinture elle-même. Il s'est en tout cas donné tout entier à son art comme s'il y cherchait une forme de salut.

Les auteurs du Catalogue raisonné recensaient en 2001, dans les collections publiques et surtout privées du monde entier, 497 œuvres de Soutine dont l'authenticité ne fait pas de doute : 190 paysages, 120 natures mortes et 187 portraits.(TOUTE LA SUITE SUR WIKIPEDIA)

Soutine_timbre soutine_livre

 

 

Posté par LE BLOG DE FANFG à 09:32 - Commentaires [0] - Permalien [#]

17 juin 2019

VICTOR VASARELY

MERCI A K A R O L A - MUSIQUE : Bonus Track - Artiste : Robin Spielberg

Győző Vásárhelyi, dit Victor Vasarely, né le 9 avril 1906 à Pécs(Autriche-Hongrie)et mort le 15 mars 1997 à Paris, fut un plasticien hongroisnaturalisé français en 1961, reconnu comme étant le père de l'art optique.

Victor Vasarely commence des études de médecine, qu'il arrête au bout de deux ans. Il s'intéresse alors au Bauhaus et étudie au Műhely de Sándor Bortnyik (en) à Budapest de 1929 à 1930.

En 1930, il s'installe à Paris5 avec son épouse Claire (Klára) Spinner (1908–1990). Il y débute comme artiste graphiste dans des agences publicitaires comme HavasDraegerDevambez. C'est là qu'il effectue son premier travail majeur, Zebra (1939) considéré aujourd'hui comme le premier travail dans le genre op art.

En 1934, naît leur fils Jean-Pierre (décédé en 2002) qui deviendra plasticien sous le nom de Yvaral et travaillera avec son père.

En 1948, les époux tombent amoureux de Gordes (Vaucluse) où sera ouvert un musée Vasarely en 1970, soutenu par la Fondation créée par Vasarely et son épouse en 1971, et fermé en 1996 face à des difficultés de gestion.

Pendant les deux décennies suivantes, Vasarely développe son propre modèle d'art abstrait géométrique, travaillant dans divers matériaux, mais employant un nombre minimal de formes et de couleurs.

Le Christ et Saint Pierre comptent parmi les rares œuvres religieuses de l'artiste. Propriétés de la ville de Charenton-le-Pont, elles ont été exposées jusqu'en décembre 2018 dans la crypte de la cathédrale d'Évry. Vasarely a également conçu les 25 vitraux de l'église Saint-François d'Assise de Port-Grimaud dans le Var.

Il travaille aussi pour de nombreuses entreprises et métamorphose en 1972 avec son fils le logotype de Renault.

Il réalise également en 1972 la façade des studios RTL au 22 rue Bayard dans le 8e arrondissement de Paris, elle est habillée de lames métalliques et actuellement classée aux monuments historiques. Cette œuvre classée aux Monuments historiques, fut démontée lors du déménagement de la radio le 23 octobre 2017, RTL Group décide alors d'en faire don à la Fondation Vasarely, basée à Aix-en-Provence7.

Il réalise dans les années 70 la façade du collège Claude Nicolas Ledoux à Dole et devient alors un artiste phare des années 1960 à 1970.

La fondation Vasarely est une institution à but non lucratif, créée par l'artiste avec son épouse Claire, et reconnue d'utilité publique en 1971. Elle comprend le musée didactique de Gordes (1970-1996) et le centre architectonique d'Aix-en-Provence(1976)8 ainsi que deux musées « didactiques » à Pécs (1976) et à Budapest (1986).

Les musées Vasarely de Pécs et de Budapest conservent des donations inaliénables ; celui de Pécs possède des œuvres d'autres artistes de sa collection (SotoMorelletYvaral, Claire Vasarely).

Pierre Vasarely, petit-fils de l'artiste, est son légataire universel, le titulaire du droit moral sur son œuvre et le président de la fondation Vasarely depuis le 21 juillet 2009! (SUITE SUR WIKIPEDIA)

Vasarely | Parcours d'exposition | Centre Pompidou

Du 6 février au 6 mai 2019 : Vasarely, le partage des formes Présentation de l'exposition par Michel Gauthier et Arnauld Pierre, commissaires : "Vasarely est connu comme étant le père de l'Op Art, il faut exciter la rétine, susciter des troubles visuels..

 

 

 

 

 

Posté par LE BLOG DE FANFG à 09:41 - Commentaires [0] - Permalien [#]
15 juin 2019

RICHARD ORLINSKI A NANCY

MERCI A CYRIL GERAULD - Exposition de ses œuvres en plein air à Nancy depuis mai jusqu'à la fin de l'été 2019

Rencontre avec son public lors du vernissage de son exposition

Rencontre avec la co-gérante de l'Autre Galerie, Lara Ledogar, à l'initiative de cette action artistique

SITE OFFICIEL : https://www.richardorlinski.fr/  -  FB : https://www.facebook.com/richardorlinski.fr/

Richard Orlinski est un sculpteur et musicien français, né le 19 janvier 1966 à Paris.

Actif depuis 2004, ses œuvres sont conçues autour du concept « Born Wild » : l'artiste pense que la violence et les peurs archaïques sont canalisées par la beauté de l'art. Surnommé « le sculpteur des stars » par Paris Match, il est classé parmi les artistes français contemporains les plus vendus dans le monde depuis 2011 par Artprice. En 2018, le classement Artfacts.net (indexé sur la réputation des lieux d'exposition et non sur la somme des ventes) le situe à la 57733ème place mondiale

Fils d'un voyagiste et d'une infirmière devenue professeur de yoga, Richard Orlinski grandit dans le 17e arrondissement de Paris. À 4 ans, il offre à sa maîtresse des petits modelages d’éléphants et d’hippopotames. Il suit des cours de poterie, son talent est repéré, et ses sculptures en terre cuite sont présentées dans un reportage télévisé sur les « jeunes prodiges ».

Il se passionne jeune pour le modélisme, la harpe, la batterie, l'électricité et la course de vitesse,!en 1976, à l'âge de 10 ans. Ses parents divorcent en 1978. . À l'adolescence, il étudie au lycée Pasteur à Neuilly-sur-Seine, fait du théâtre et de la musique. Il obtient un bac économie, puis un Deug à l'université Paris-1 et intègre l'Institut de management international de Paris (MBA Institute), une école de commerce. Il est coursier pour payer ses études. Étudiant, il se remet à sculpter suite à des visites d'expositions, et découvre les grands maîtres de la peinture et de la sculpture.

Diplôme en poche, il exerce les métiers de designer et d’architecte d’intérieur, travaillant également dans l'immobilier et la communication événementielle. Il sculpte pendant ses loisirs. Au début des années 2000, il montre ses croquis à des personnalités du monde de l'art qui sont séduites par son travail. La galerie Artcurial lui propose de l'exposer, il refuse car il trouve que ses œuvres ne sont pas assez abouties mais il décide de se consacrer pleinement à l'art. Il quitte ses fonctions professionnelles et travaille deux ans avant de présenter au public en 2004 le Crocodile Born Wild en résine rouge

Les galeries commencent alors à s'intéresser à son travail. Initialement boudé par le milieu parisien, il expose à Aspen (États-Unis) ou Val-d'Isère et Courchevel. Il est exposé à la Fiac de Paris en 2006.  Ses œuvres se multiplient et rejoignent des collections privées dans le monde entier. Des personnalités comme Sharon Stone et Pharrell Williams comptent parmi ses premiers clients.

En 2014, il a vendu une œuvre (une pin-up jaillissant de la bouche d'un crocodile en or) pour 15 millions d'euros. Il s'attaque à de nouveaux matériaux : la résine toujours, mais aussi le bronze, le marbre, le cristal, l'aluminium et même le chocolat. Il réalise également des collaborations avec le chocolatier Jean-Paul Hévin, le chef Frédéric Anton, la cristallerie Daum, l’orfèvrerie Christofle et le parc Disneyland Paris.

Sa pièce phare Wild Kong, figure au siège de Twitter France. En 2016, ses œuvres sont présentées dans 90 galeries dans le monde. Il poursuit également ses expositions à ciel ouvert.

Il fait depuis 2011 partie du « top 10 » des artistes français les plus vendus dans le monde selon le site web de cotation artprice

 En 2015, il atteint la première place avec une de ses œuvres adjugée à 839 678 $ 

En 2017, le classement artfacts.net (indexé sur la réputation des lieux d'exposition et non sur la somme des ventes) le situe à la 63 705e place mondiale.

Dans son atelier, le sculpteur fait travailler entre 100 et 150 artisans (fondeurs, mouleurs, soudeurs, polisseurs, peintres, menuisiers, marbriers). Il crée un atelier de pliage inspiré des techniques de la carrosserie dans la Formule 1.

Il engage une collaboration avec les chanteurs Akon et Eva Simons. Fin 2016, il crée le trophée de la cérémonie musicale « W9 d'Or » dont le Wild Kong est l'effigie.

En 2017, il jouera dans le film Les Effarés de Francis Renaud.

En 2017, il expose certaine de ses œuvres, Kong, dans la villa de l'émission de téléréalité Les Anges 99.

En 2018, il crée le trophée du vainqueur du Grand Prix de France de Formule 1 reprenant son célèbre « Kong » décliné en bleu blanc rouge brandissant un pneu Pirelli, sponsor titre de la course de retour au Circuit Paul Ricard.

Richard Orlinski utilise des matières comme la résine, l'aluminium, le marbre, la pierre, le bronze, l'acier. Il travaille sur la brillance ou la matité, la transparence ou l'opacité. L’enjeu de Richard Orlinski à travers le concept Born Wild consiste à transformer les pulsions vitales négatives en émotions positives, à passer de l’instinct archaïque à l’émotion civilisée. Les vecteurs de cette métamorphose sont l’esthétique de l’œuvre, la quête de la perfection du sculpteur et la perception du spectateur.

LISTE DES OEUVRES : SUITE SUR WIKIPEDIA)

                  richard_orlinski

ORLANSKI ORLINSKI FAIT SON SHOW!!!

Entouré de producteurs, d’auteurs et d’humoristes qui ne cessent de lui dire « tu devrais raconter ton histoire sur scène », Richard Orlinski les prend au mot, ne reculant devant aucun défi !

Piqué par le virus de la scène et du partage avec le public, il se jette dans l’aventure un peu folle qu’est la création d’un « seul en scène » avec Laurent Baffie.

Richard Orlinski sur scène :

– nous raconte son histoire d’homme et d’artiste : comment faire son « coming out » c’est à dire annoncer à ses parents qu’on est artiste quand personne dans la famille ne l’est
 ?

– nous donne des conseils pour survivre au succès dans le milieu de l’Art Contemporain

– et essaie de répondre à la question que tout le monde se pose : pourquoi en mettant « sculpteur » sur ton profil Tinder, tu te retrouves seul à la St Valentin
 ?

En bref, un spectacle d’‪1h20, qui se veut drôle et intelligent, intelligemment drôle, où Richard Orlinski raconte l’histoire d’un gamin qui continue à suivre ses rêves, partage ses aventures et mésaventures d’artiste contemporain, le tout agrémenté d’anecdotes savoureuses sur l’histoire de l’Art, de l’Antiquité à nos jours.

Richard Orlinski « Tête de Kong en rodage » Sur une idée originale de Laurent Baffie Mise en scène : Caroline Vigneaux Richard Orlinski, seul en scène, raconte … Read More

 

 

 

 

 

 

Posté par LE BLOG DE FANFG à 09:23 - Commentaires [0] - Permalien [#]
11 juin 2019

ADOLFO BELIMBAU

MERCI A K A R O L A - MUSIQUE : Between Thorns And Roses - Artiste :Ernesto Cortazar

Adolfo Belimbau, né en 1845 au Caire et mort en 1938 à Florence, fut un peintre italien.

Adolfo Belimbau est né au Caire en Égypte dans une famille juive Séfarade d'origine italienne venant de Toscane. Il a vécu la plus grande part de sa vie à Florence et à Livourne. Il a été formé à Livourne par le peintre nommé Provenzal.

À l'âge de 17 ans, il se dirige vers le commerce, et ne retournera à l'art que 11 ans plus tard. En 1886, il a participé à l'organisation de l'Exposition des Beaux-Arts de Livourne, une ville qui était en passe de devenir une destination balnéaire estivale.

Parmi ses œuvres figure le tableau L'uscita dal lavoro (Sortir du travail), qui représente une longue file de femmes sortant d'une usine, devenant des bavardages animés après une longue journée de travail. À la Mostra de Venise en 1887, il expose Aiselia etPrima del minuetto . Cette dernière peinture aérienne a été reproduite par Illustrazione di Milan et plus tard dans un journal allemand illustré. Ses peintures ultérieures sont devenues plus riches et décrivaient des activités tranquilles.

              adolfo_5

Belimbau, influencé par les peintres Macchiaioli , était un collègue et un ami des peintres Vittorio Matteo Corcos , Ulvi Liegi et Alberto Pisa . À Promotrice di Firenze, il montra une fontaine à Livourne dans laquelle il revenait à peindre des scènes de rue.

alfonso UNE FONTAINE A LIVOURNE

 Il a également peint le sentimental Une page d'Amour . Il a par la suite poursuivi ses activités de mécénat en créant la Fondation Livornese di studi ebraici "Adolfo Belimbau". 

adolfo_belimbau

 

 

Posté par LE BLOG DE FANFG à 09:22 - Commentaires [0] - Permalien [#]
09 juin 2019

DOROTHEA TANNING

MERCI A INESVIGO - MUSIQUE : Mozart: Mass in C Minor, K. 427/417a, "Great": III. Credo - Et incarnatus est (Soprano) - Artiste :Barbara Hendricks

                  dorothea

Dorothea Tanning, née le 25 août 1910 à Galesburg (Illinois) et morte le 31 janvier 2012 à New York (État de New York),fut une artiste peintreéditricesculptrice et écrivaine américaine. Elle a aussi confectionné des décors et des costumes pour des ballets et des spectacles.

Dorothea Tanning a d'abord été considérée comme un peintre surréaliste. Dans les années 1940, lorsqu’elle était l’une des artistes résidents de la Julien Levy’s Gallery, Dorothea Tanning utilisait le langage de la représentation surréaliste. Son œuvre la plus connue est Petite musique de nuit, une peinture sombre imprégnée de symbolisme, ironiquement renommée par la suite Mozart's light-hearted serenade.

Au milieu des années 1950, son travail change radicalement. Comme elle l’explique « vers 1955, mes toiles ont littéralement éclaté… J’ai brisé le miroir, pourrait-on dire. »

Max_Ernst_and_Dorothea_Tanning AVEC MAX ERNST (SON MARI)

Elle devient alors l’une des premières femmes qui ose renverser le point de vue érotique dans l’art. Ses peintures expriment les fantasmes de la femme, considérée comme un individu à part entière et non plus seulement comme la projection du désir de l'homme. En effet, les femmes qui gravitent autour des surréalistes sont presque toutes liées aux peintres en tant que muse ou épouse et correspondent aux critères esthétiques et mentaux propres au mouvement : ce ne sont pas des femmes « comme il faut », bonnes mères et épouses fidèles, mais elles doivent être belles, fascinantes, disponibles et sans inhibitions.

En 1949, Tanning réalise son premier album de lithographies intitulé Les Sept Périls spectraux, sur des textes de André Pieyre de Mandiargues. En 1952, elle expose pour la première fois, à Paris à la galerie Furstemberg puis en 1954 à Londres.

Elle a encore recours aux ateliers d'art de Georges Visat, ainsi que de Pierre Chave, lithographe à Saint-Paul-de-Vence, pour illustrer les ouvrages de poètes comme René Crevel (Accueil, 1958) ou Lena Leclerq (Personne, 1962).

En 1974, une grande rétrospective de son œuvre est organisée au Centre national d'art contemporain de Paris.

Le 24 juin 1994, Tanning revient à Seillans en France pour quelques jours afin d’inaugurer Le Génie de la Bastille, une sculpture de Max Ernst offerte à la commune. Elle est visible sur la place de la République où elle surplombe la plaine de Seillans.

En 2005, Charles Stuckey rédige un ouvrage monographique pour la Kent Gallery intitulé Dorothea Tanning: insomnias 1955-1965. Le titre est tiré d’une toile de Tanning, elle-même réalisée en 1957. Cette œuvre, aujourd’hui au musée Moderne de Stockholm, est pour Stuckey « une incursion dans le royaume des énergies évoquées ». Elle représente un changement marquant dans une période particulière d’après-guerre qui continue à avoir des répercussions de nos jours. Charles Stuckey décrit ces « paysages de l’esprit vraisemblablement multi-dimensionnels » comme « au-delà des plus sophistiquées et ambitieuses peintures abordant le dilemme de l’imagination et la culture dans une nouvelle ère atomique, de la course à l’Espace. »

En 1974, une rétrospective de son œuvre a été présentée à Paris au Centre Pompidou par Pontus Hultén. L’exposition la plus récente de ses œuvres a été organisée par le Philadelphia Museum of Art sous le titre « Birthday and Beyond » en référence à l’acquisition du plus célèbre autoportrait de l’artiste datant de 1942 : Birthday.

En 1986, Dorothea Tanning publie son autobiographie, également appelée Birthday, qu'elle reprend et complète en 2001 sous le titre : Between Lives: An Artist and Her World.

À près de 100 ans, Dorothea Tanning publie encore régulièrement des poésies dans le New Yorker, ainsi que de nombreuses autres publications. Sa plus récente nouvelle est Chasm (que l’on peut traduire par « abîme », « gouffre » ou « précipice »), écrite en 2004. Ses poésies sont regroupées dans deux ouvrages : A Table of Content, publié en 2004, et Coming to That', publié en 2011.

(SUITE SUR WIKIPEDIA)

livre_dorothea dorothea_livre

 

Posté par LE BLOG DE FANFG à 09:29 - Commentaires [0] - Permalien [#]

07 juin 2019

ROCKETMAN - BIOPIC ELTON JOHN

MERCI A Paramount Pictures France - UN FILM SUPERBEMENT REALISE!!!! 

Rocketman est un film biographique britanniquo-américain réalisé par Dexter Fletcher, sorti en 2019. Il s'agit d'un portrait sur le chanteur anglais Elton John.

rocketman_t FESTIVAL DE CANNES 2019

L’épopée rock d’une star au destin exceptionnel Taron Egerton est Elton John.

Biopic spectaculaire et odyssée humaine vibrante, ROCKETMAN s’attache à la période qui a vu Elton John percer. C’est ainsi qu’on assiste à la métamorphose d’un pianiste prodige – mais timide – du nom de Reginald Dwight en superstar mondiale rebaptisée Elton John.

Cette histoire exaltante, sur fond des plus belles chansons de l’artiste interprétées par Taron Egerton, raconte le parcours d’une des figures les plus emblématiques de la pop-culture.

Taron Egerton est un acteur britannique, né le 10 novembre 1989 à Birkenhead en Angleterre

Taron Egerton débute à la télévision, en 2013, avec le rôle de Liam Jay dans la série britannique Inspecteur Lewis. Plus tard, il rejoint le casting de la série The Smokesur Sky.

Le 25 juillet 2013Variety annonce que le réalisateur Matthew Vaughn a confié à Taron Egerton le rôle de Gary 'Eggsy' Unwin, le protégé du personnage interprété par Colin Firth pour le film Kingsman : Services secrets.

Le 13 février 2014, il rejoint l'équipe du film Mémoires de jeunesse, basé sur la vie de Vera Brittain, avec comme acteurs principaux Alicia Vikander et Kit Harington.

En 2016, il tourne un nouveau film intitulé Billionaire Boys Club, au côté d'Ansel Elgort et chante I'm still standing dans Tous en scène en prenant le personnage de Johnny.

Le magazine GQ le cite dans sa liste des cinquante hommes britanniques les mieux habillés en 2015 et en 2016!

egerton_elton_john TARON ERGOTON ET ELTON JOHN

Sir Elton Hercules John, né Reginald Kenneth Dwight l25 mars 1947 à Pinner, dans le Grand Londres, est un chanteurpianiste et compositeur britannique.

En plus de cinquante ans de carrière, Elton John a vendu plus de 300 millions de disques. En 1993, il bat le record d'Elvis Presley en installant un nouveau single au top 40 US pour la 24e année consécutive (record maintenu jusqu'en 1999, 30e année consécutive avec un single au top 40 US avec Written in the stars en duo avec Lean Rimes pour sa comédie musicale Aïda).

En 1997, sa chanson Candle in the Wind devient le single le plus vendu depuis la création des hit-parades, avec 33 millions d'exemplaires écoulés. En 2008, il est classé comme l'artiste solo masculin ayant eu le plus de succès dans le classement du magazine Billboard depuis sa création : Hot 100 Top All-Time Artists avec 56 singles inscrits au Top 40, 27 au Top 10, quatre no 2, et neuf no 18.

Il s'est produit plus de 4 000 fois en concert dans un total de plus de 80 pays!!

De formation classique au piano (ChopinBach), il a très vite été influencé par le gospel (il a chanté plusieurs années dans un chœur à l'académie royale de musique), le piano boogie-woogie (notamment l'école de la Nouvelle Orléans) et le jazz puis par le rock (Little Richard, les Rolling Stones), la pop (The BeatlesThe Beach Boys, Leon Russel) et la musique country. Sa culture musicale est impressionnante, il a animé à plusieurs reprises des émissions à la radio anglaise pour faire découvrir des trésors cachés de la musique, dans tous les styles. Il achète compulsivement aujourd'hui encore des dizaines de disques chaque semaine (plus de 200 CD lors d'une escapade au Virgin des Champs-Élysées en 2005). Ces différentes sources d'inspiration expliquent la diversité de sa production : la musique classique se retrouve dans des titres tels que Tonight ou Carla/Etude, le gospel par exemple dans Burn Down The Mission ou Honky Cat, le rock dans Saturday Night's Alright (For Fighting), la country dans My Father's Gun ou plus récemment Turn The Lights out when You Leave.

En concert, ses capacités d'improvisation au piano (notamment lors de ses concerts solo ou accompagné de Ray Cooper aux percussions) enchantent le public depuis 40 ans. Sa voix qui a perdu des aigus depuis des polypes sur ses cordes vocales en 1986, a en revanche gagné en puissance. Il se produit dans des formations diversifiées, parfois au sein d'une même tournée : seul au piano, lui au piano et Ray Cooper aux percussions, avec son groupe de musiciens, avec un orchestre symphonique (Melbourne Symphony Orchestra en 1986, Orchestre de la Royal Academy Of Music et de la Julliard School en 2002 et 2004) ou encore avec d'autres pointures du rock, comme ses tournées avec Eric Clapton et Billy Joel.

Elton John et les groupes de musiciens dont il s'est entouré durant sa carrière (Ray Cooper et Nigel Olson aux percussions, James Newton Howard et Guy Babylon aux claviers, Caleb Quaye et Davey Johnstone à la guitare, Dee Murray et Bob Birch à la basse, Paul Buckmaster aux arrangements, etc.) ont usé d'un style de musique diversifié, moderne et orchestral.

Le concours de célèbres producteurs comme Gus Dudgeon, maître d'œuvre des albums les plus célèbres de l'artiste britannique a également participé activement à ses succès. La discographie d'Elton John est marquée par plusieurs périodes d'« âges d'or » depuis l'album Elton John (1970) en passant par Blue Moves (1976), Too Low for Zero (1983), la B.O. du Roi Lion (1994), Made in England (1995), Songs from the West Coast (2001), The Captain & the Kid (2006) ou The Union (2010).

Considéré comme l'un des rois incontestés de la pop, il a su mettre en valeur sa diversité à plusieurs reprises, comme ce duo avec le rappeur Tupac « Ghetto Gospel » mais aussi avec le groupe de heavy metal anglais Saxon ou lors de son duo avec George Michael Don't Let the Sun Go Down on Me. Ou encore avec le rappeur Eminem dans un duo pour la chanson Stan. (TOUTE LA SUITE SUR WIKIPEDIA)

                 elton_john_tournee

 

 

 

Posté par LE BLOG DE FANFG à 09:25 - Commentaires [0] - Permalien [#]
04 juin 2019

VILLA MASSENA - NICE (FRANCE)

MERCI A JuergensTV - MUSIQUE : Chopin: Fantasie Impromptu - Album : A Passion For Piano - Volume 1

http://www.nice.fr/fr/culture/musees-et-galeries/musee-massena-le-musee

EXPOSITION : Nice - Cinémapolis : Musée Masséna  : Jusqu'au 30 septembre 2019

Le musée Masséna est un musée municipal de la ville de Nice installé dans une des dernières villas de prestige du XIXe siècle de la promenade des Anglais.

Le prince d’Essling, duc de RivoliAndré Prosper Victor Eugène Napoléon Masséna, fils de Victor Masséna, vendit ce bijou de la Belle Époque construit par son père, à la ville de Nice, en 1919, pour un prix égal aux droits de succession qu'il avait dû payer, en stipulant que le jardin devait être ouvert au public, et que la villa devienne un musée d'histoire locale sous le nom de « musée Masséna ». Ce qui fut fait. Les bosquets sont signés par le botaniste Édouard André.

L’accueil du public s’effectue, au nord de l’édifice, par un pavillon situé au numéro 65 de la rue de France.!

En 1898Victor Masséna, prince d’Essling et duc de Rivoli, petit-fils du maréchal niçois André Masséna, décide la construction d’une grande villa de plaisance sur le bord de mer niçois. Les Masséna, qui apprécient la villa Rothschild à Cannes, la proposent comme modèle aux architectes Hans-Georg Tersling et Aaron Messiah. Ceux-ci sont également priés de s’inspirer des grandes villas de style néo-classique italien. Ils adoptent aussi un style Empire, hommage évident à Napoléon Ier, auquel la famille Masséna doit ses titres. La villa est conçue pour des réceptions brillantes.

Ses jardins, dessinés par le paysagiste et botaniste Édouard André (1840-1911), ainsi que la cour d'honneur au nord ont été restaurés entre 2006 et 2007.

Les façades et les toitures de la villa sont inscrites au titre des monuments historiques depuis 1975!

Victor_MassenaVICTOR MASSENA

Le musée

En 1919, le fils de Victor Masséna, André Masséna, cède la propriété à la ville de Nice sous condition qu’on y aménage un musée et que le jardin soit ouvert au public. Le musée Masséna est inauguré en 1921. Pendant des décennies, la villa Masséna est un musée consacré à l’histoire locale jusqu’à l’aube du XXIe siècle où s’impose un lourd chantier de rénovation.

Après plusieurs années de restauration, il rouvre le 1er mars 2008 . À l’extérieur, des travaux de réaménagement permettent de restituer au jardin son plan d’origine dessiné par le paysagiste Édouard André.

En nocturne, comme son voisin le Negresco, un puissant éclairage met en valeur ses façades historiques. À l’intérieur, les salons retrouvent leur faste et chaleur d’antan comme avec l’ensemble de boiseries des premières années du XIXe siècle provenant du château de Govone situé près de Turin. Le mobilier principalement de style Empire décore ses salons. Le nouvel aménagement, réalisé par l'architecte niçois Philippe Mialon, offre une surface d’exposition permanente de 1 800 m2.

Le premier et deuxième étage présentent une approche chronologique et thématique de l’histoire de Nice de 1792 à 1939. Le troisième et dernier étage accueille la bibliothèque de Cessole riche de milliers de documents, portant notamment sur l'histoire du Comté de Nice, de la Provence, de la Savoie et de l’Italie du Nord6.

Le musée est entièrement accessible aux personnes à mobilité réduite. Payant au XXe siècle, l’accès à l’ensemble des musées municipaux de la ville de Nice a été libre entre le 1er juillet 2008 et le 1er janvier 2015, date ou la mairie déploie une nouvelle politique tarifaire.

MASSENA 

MASSENA_6

 

Posté par LE BLOG DE FANFG à 09:28 - Commentaires [2] - Permalien [#]
02 juin 2019

MICHEL SERRES -- "C'ETAIT MIEUX AVANT" - 2017

MERCI A La Grande Librairie - IL NOUS A LÂCHE HIER !!!

              cetait_mieux_avant

"C'ETAIT MIEUX AVANT" À 87 ans, Michel Serres continue de porter son optimisme de l’intelligence. Le membre de l’Académie française publie un manifeste savoureux et grinçant intitulé « C’était mieux avant », aux éditions Le Pommier, dans lequel il fustige les « nostalgiques pessimistes! 

MICHEL SERRES D’origine gasconne,  fils de Jean, dit Valmy Serres, batelier sur la Garonne. Il reçoit une éducation catholique.

Il est le père de quatre enfants, dont Jean-François Serres, délégué général de l'association Petits Frères des pauvres!

Michel Serres réalise une carrière universitaire, d'abord à l'université Blaise-Pascal, où il fréquente Michel Foucault et Jules Vuillemin. Ils échangent alors régulièrement sur des thèmes qui prendront corps dans le livre Les Mots et les choses !Il est ensuite nommé à l'université Paris-VIIIoù il participe brièvement à l’« expérience de Vincennes »

En 1968, il soutient une thèse de doctorat de lettres, intitulée Le Système de Leibniz et ses modèles mathématiques, et est nommé en 1969, professeur d’histoire des sciences à l’université Paris 1 Panthéon-Sorbonne. Il enseigne également aux États-Unis, d'abord à l'université Johns-Hopkins, à Baltimore, à l'invitation de René Girard, puis il suit ce dernier à l’université Stanford, où il est nommé professeur en 1984.

Il est élu le 29 mars 1990 à l’Académie française, où il occupe le fauteuil no 18, précédemment occupé par Edgar Faure. Il y fut reçu le 31 janvier 1991 par Bertrand Poirot-Delpech.

Il fonde en 1984 et dirige le Corpus des œuvres de philosophie en langue française aux éditions Fayard. Il parraine la bibliothèque universitaire de l’École centrale de Lyon.

Dans les années 1980, il apparaît dans certains films du cinéaste québécois Pierre Perrault.

En 1994, il est nommé président du conseil scientifique de La Cinquième, la chaîne de « télévision de la connaissance, du savoir et de l'emploi », lancée par Jean-Marie Cavada, sur décision du gouvernement d'Édouard Balladur.

Le philosophe s’engage dans une voie proprement littéraire et artistique en avril 2008, alors qu’il prépare une œuvre-spectacle pour la ville du Mans. Le thème est la conservation du patrimoine, de la cathédrale, du vieux-Mans et du bestiaire représenté dans la ville. La représentation unique eut lieu le 11 mai.

Michel Serres participait chaque dimanche, de 2004 à 2018, à la chronique de France Info Le Sens de l'info avec Michel Polacco.

Il est un enthousiaste de Wikipédia comme collection gratuite de connaissances, entreprise « non gouvernée par des experts » de connaissance partagée!! (TOUTE LA SUITE SUR WIKIPEDIA).

Michel_Serres_Petite_Poucette 'PETITE POUSSETTE"  (Sur le monde numérique)

 

 

 

Posté par LE BLOG DE FANFG à 09:35 - Commentaires [0] - Permalien [#]
31 mai 2019

MUSEE MARC CHAGALL - NICE

MERCI  A pchr06 - MUSIQUE : Ruitor  -  Artiste :Richard Pinhas

https://musees-nationaux-alpesmaritimes.fr/chagall/informations-pratiques/c-tarifs

Le musée Marc-Chagall (ou musée national du message biblique Marc-Chagall) est un musée national consacré à l'œuvre du peintre Marc Chagall – essentiellement celle d'inspiration religieuse – et situé à Nice dans les Alpes-Maritimes.

            mus_e_chagall

Créé du vivant de l'artiste, avec le soutien du ministre de la CultureAndré Malraux, et inauguré en 1973, le musée est aussi connu comme le « musée national message biblique Marc-Chagall » car il abrite la série de dix-sept toiles illustrant le message biblique, peintes par Chagall et offertes à l'État français en 1966.

Cette série illustre la Genèse, l’Exode et le Cantique des Cantiques.

Mais au fur et à mesure, les collections s'enrichissant, ce qui était un musée thématique illustrant le message biblique est devenu un véritable musée monographique dédié à l'œuvre d'inspiration religieuse et spirituelle de Chagall.

En 1972, le peintre donne au musée toutes les esquisses préparatoires du Message biblique ainsi que des vitraux et des sculptures, et en 1986, le musée acquiert par dation, la suite complète des esquisses et gouaches réalisées pour l’Exodus ainsi que dix autres peintures, dont fait partie le triptyque Résistance, Résurrection, Libération.

D'autres acquisitions sont venues compléter les collections du musée qui possède aujourd'hui l'un des plus grands ensembles d'œuvres de Marc Chagall.

                           museechagall04 

          chagall_6

 

Posté par LE BLOG DE FANFG à 10:32 - Commentaires [2] - Permalien [#]
29 mai 2019

COLLECTION GUGGENHEIM - HÔTEL DE CAUMONT A AIX EN PROVENCE

MERCI A PROVENCE AZUR - MA VISITE SENIORS DE CE MOIS!!

C'est une exposition d'exception. L'Hôtel de Caumont présente la collection Thannhauser du Guggenheim. Picasso, Cézanne, Van Gogh ou Picabia... Une cinquantaine d'oeuvres quitte pour la première fois la fondation new-yorkaise.

https://www.caumont-centredart.com/  : EXPOSITION JUSQU'AU 29/9/2019

          AFFICHE_CAUMONT

Caumont  musée d'Aix en Provence

MERCI A Guy Muller - Ière EXPOSITION : CANALETTO - 2015

                           canaletto_7

L'hôtel de Réauville, dit « de Caumont » est un hôtel particulier situé au no 3 rue Joseph Cabassol dans le quartier Mazarin à Aix-en-Provence. Construit entre 1715 et 1742, il fait l’objet d’un classement au titre des monuments historiques depuis le 16 février 1990

La ville acquiert le bâtiment en 1964. De 1970 jusqu'à sa vente, il abrita le Conservatoire de musique d'Aix-en-Provence, sans doute « le plus beau conservatoire de France, inauguré à la rentrée de septembre 1970 par le directeur de la musique Marcel Landowski. C'est le 23 octobre 1972 qu'on donna au bâtiment le nom de “Conservatoire Darius Milhaud” cet illustre compositeur aixois était présent quand on dévoila la plaque. C'était en somme une inauguration définitive, comme le rapporte Pierre Villette qui en était alors le directeur ».

En mars 2010, la municipalité d'Aix-en-Provence annonce son intention de vendre l'hôtel pour douze millions d'euros, ce qui provoque l'inquiétude d'associations de défense du patrimoine aixois.

C'est finalement Culturespaces, filiale du groupe Suez, qui en fait l'acquisition en 2013 pour un montant de dix millions d'euros, avec l'intention de consacrer le bâtiment à des expositions temporaires consacrées à la peinture et au piano.

Dès septembre 2013, Culturespaces va mener une restauration exemplaire à laquelle elle consacre un budget de 12,8 millions d'euros, sous la houlette de Mireille Pellen, Architecte du Patrimoine. Ces travaux concernent aussi bien l'hôtel particulier lui-même que les communs, les cours et les jardins!

L'inauguration du nouveau lieu, baptisé « Caumont Centre d'Art », s'est faite le 6 mai 2015.

À cette occasion, une journée portes ouvertes avait été organisée jusqu'à minuit. Le monument contient désormais un lieu d'exposition temporaire, un « musée reconstitué » (décoration et ambiance d'époque), un jardin à la française, ainsi qu'un élégant salon de thé proposant également de la restauration.

Depuis, Culturespaces y a produit plusieurs expositions consacrée à Marilyn Monroe, Fernando Botero, Nicolas de Staël ou encore Marc Chagall et dernièrement en 2019 à la collection GUGGENHEIM  !! (suite sur WIKIPEDIA)

CAUMON caumont_centre_d_art 

                        caumont_SalonDeMusique SALON DE MUSIQUE

 

 

 

 

 

 

 

Posté par LE BLOG DE FANFG à 10:39 - Commentaires [2] - Permalien [#]